Осенний аукцион современного искусства в Самаре
Осенний аукцион современного искусства в Самаре
Осенний аукцион современного искусства в Самаре
Приглашаем Вас стать участником 4-го Осеннего аукциона современного искусства в Самаре.
Самарское искусство уже давно не ограничено локальным контекстом.
Произведения художников Самары можно встретить и на международных биеннале, и в Государственной Третьяковской галерее, и на престижных ярмарках. Осенний аукцион современного искусства в Самаре дает уникальную возможность увидеть произведения знакомых авторов: Леонида Шерешевского, Оксаны Стоговой, Сергея Осьмачкина, Клауса, Яны Арбузовой, Арт Абстрактова в соседстве с их друзьями и коллегами, в контексте художественной сцены города.
Осенний аукцион призван поддержать самарских художников, осветить искусство региона, создать почву для его коллекционирования.
Всего на аукционе будет представлено 20 лотов.
Аукцион состоялся 9 ноября 2023
Самарское искусство уже давно не ограничено локальным контекстом.
Произведения художников Самары можно встретить и на международных биеннале, и в Государственной Третьяковской галерее, и на престижных ярмарках. Осенний аукцион современного искусства в Самаре дает уникальную возможность увидеть произведения знакомых авторов: Леонида Шерешевского, Оксаны Стоговой, Сергея Осьмачкина, Клауса, Яны Арбузовой, Арт Абстрактова в соседстве с их друзьями и коллегами, в контексте художественной сцены города.
Осенний аукцион призван поддержать самарских художников, осветить искусство региона, создать почву для его коллекционирования.
Всего на аукционе будет представлено 20 лотов.
Аукцион состоялся 9 ноября 2023
Партнеры аукциона
Галерея «Виктория»
Жилой комплекс «ЗИМ Галерея»
Альфа-Банк
Арт-клуб «Худрук»
Жилой комплекс «ЗИМ Галерея»
Альфа-Банк
Арт-клуб «Худрук»
Генеральный инфопартнер
Журнал Собака.Ру
1. Арт Абстрактов
Авангардный холст № 17
2023
фанера, акрил, аэрозоль
152×100 см (каждая часть)
Эстимейт: 40 000 ₽
Арт Абстрактов — уличный художник, активный пропагандист культуры стрит-арта в Самаре, идеолог творческого объединения и мастерской Aksometry Lab, номинант Премии Сергея Курёхина в области современного искусства за 2022 год.
Его стиль соединяет экспрессивные и плавные формы, используя как классическую для граффити аэрозоль, так и нетривиальные инструменты и техники, такие как граттаж, работа с тканью и пластиком, создание собственных роботов-рисовальщиков и многие другие.
«Авангардный холст № 17» является логическим продолжением уличных работ Арт Абстрактова. Первоначально Авангардная серия создавалась на различных сооружениях, фасадах и мостах с широкой географией городов: Барселона, Мадрид, Нава, Роттердам, Хихон, Тель-Авив, Майами, Владивосток, Мурманск, Екатеринбург, Тюмень и др. Диптих, словно кулон, составленный из двух половинок, — фрагмент пестрых городских улиц в вашем интерьере и отличный подарок.
Авангардный холст № 17
2023
фанера, акрил, аэрозоль
152×100 см (каждая часть)
Эстимейт: 40 000 ₽
Арт Абстрактов — уличный художник, активный пропагандист культуры стрит-арта в Самаре, идеолог творческого объединения и мастерской Aksometry Lab, номинант Премии Сергея Курёхина в области современного искусства за 2022 год.
Его стиль соединяет экспрессивные и плавные формы, используя как классическую для граффити аэрозоль, так и нетривиальные инструменты и техники, такие как граттаж, работа с тканью и пластиком, создание собственных роботов-рисовальщиков и многие другие.
«Авангардный холст № 17» является логическим продолжением уличных работ Арт Абстрактова. Первоначально Авангардная серия создавалась на различных сооружениях, фасадах и мостах с широкой географией городов: Барселона, Мадрид, Нава, Роттердам, Хихон, Тель-Авив, Майами, Владивосток, Мурманск, Екатеринбург, Тюмень и др. Диптих, словно кулон, составленный из двух половинок, — фрагмент пестрых городских улиц в вашем интерьере и отличный подарок.
2. Яна Арбузова
Комната
2023
масло, холст
105×85 см
Эстимейт: 80 000 ₽
Яна Арбузова — молодая самарская художница, иллюстратор, выпускница Самарского художественного училища им. К.С. Петрова-Водкина. Участница выставок в Самаре, Москве, Новороссийске, Димитровграде, Уфе и Оренбурге.
Она — автор современных vanitas, натюрмортов о бренности жизни, в которых художница изображает пластиковые бутылки, полиэтиленовые пакеты, упаковки, которые мы не выбрасываем, а пытаемся использовать их вторично или даже украсить ими жизнь (например, вырезая из пластиковой тары цветы). Этот мусор она часто комбинирует с живыми растениями, или предметами, доставшимися нам от бабушек. А прекрасная живописная техника дает ее работам дополнительную привлекательность.
«Комната» — автобиографическое полотно, сшитое из двух частей, на которых Арбузова изобразила дневной и ночной фрагменты своей комнаты-мастерской. И в том и другом случае предмет изображения — тени от окна на пустой стене. Дневная геометричная ясность и ночные тревожные видения от тени дерева, освещенной уличным фонарем. В лаконичном жанре интерьера мы видим психологический портрет художницы, наблюдающей мир из камеры-обскуры своей студии.
Комната
2023
масло, холст
105×85 см
Эстимейт: 80 000 ₽
Яна Арбузова — молодая самарская художница, иллюстратор, выпускница Самарского художественного училища им. К.С. Петрова-Водкина. Участница выставок в Самаре, Москве, Новороссийске, Димитровграде, Уфе и Оренбурге.
Она — автор современных vanitas, натюрмортов о бренности жизни, в которых художница изображает пластиковые бутылки, полиэтиленовые пакеты, упаковки, которые мы не выбрасываем, а пытаемся использовать их вторично или даже украсить ими жизнь (например, вырезая из пластиковой тары цветы). Этот мусор она часто комбинирует с живыми растениями, или предметами, доставшимися нам от бабушек. А прекрасная живописная техника дает ее работам дополнительную привлекательность.
«Комната» — автобиографическое полотно, сшитое из двух частей, на которых Арбузова изобразила дневной и ночной фрагменты своей комнаты-мастерской. И в том и другом случае предмет изображения — тени от окна на пустой стене. Дневная геометричная ясность и ночные тревожные видения от тени дерева, освещенной уличным фонарем. В лаконичном жанре интерьера мы видим психологический портрет художницы, наблюдающей мир из камеры-обскуры своей студии.
2. Яна Арбузова
Комната
2023
масло, холст
105×85 см
Эстимейт: 80 000 ₽
Яна Арбузова — молодая самарская художница, иллюстратор, выпускница Самарского художественного училища им. К.С. Петрова-Водкина. Участница выставок в Самаре, Москве, Новороссийске, Димитровграде, Уфе и Оренбурге.
Она — автор современных vanitas, натюрмортов о бренности жизни, в которых художница изображает пластиковые бутылки, полиэтиленовые пакеты, упаковки, которые мы не выбрасываем, а пытаемся использовать их вторично или даже украсить ими жизнь (например, вырезая из пластиковой тары цветы). Этот мусор она часто комбинирует с живыми растениями, или предметами, доставшимися нам от бабушек. А прекрасная живописная техника дает ее работам дополнительную привлекательность.
«Комната» — автобиографическое полотно, сшитое из двух частей, на которых Арбузова изобразила дневной и ночной фрагменты своей комнаты-мастерской. И в том и другом случае предмет изображения — тени от окна на пустой стене. Дневная геометричная ясность и ночные тревожные видения от тени дерева, освещенной уличным фонарем. В лаконичном жанре интерьера мы видим психологический портрет художницы, наблюдающей мир из камеры-обскуры своей студии.
Комната
2023
масло, холст
105×85 см
Эстимейт: 80 000 ₽
Яна Арбузова — молодая самарская художница, иллюстратор, выпускница Самарского художественного училища им. К.С. Петрова-Водкина. Участница выставок в Самаре, Москве, Новороссийске, Димитровграде, Уфе и Оренбурге.
Она — автор современных vanitas, натюрмортов о бренности жизни, в которых художница изображает пластиковые бутылки, полиэтиленовые пакеты, упаковки, которые мы не выбрасываем, а пытаемся использовать их вторично или даже украсить ими жизнь (например, вырезая из пластиковой тары цветы). Этот мусор она часто комбинирует с живыми растениями, или предметами, доставшимися нам от бабушек. А прекрасная живописная техника дает ее работам дополнительную привлекательность.
«Комната» — автобиографическое полотно, сшитое из двух частей, на которых Арбузова изобразила дневной и ночной фрагменты своей комнаты-мастерской. И в том и другом случае предмет изображения — тени от окна на пустой стене. Дневная геометричная ясность и ночные тревожные видения от тени дерева, освещенной уличным фонарем. В лаконичном жанре интерьера мы видим психологический портрет художницы, наблюдающей мир из камеры-обскуры своей студии.
3. Дина Богусонова
Белая река
2023
медь, горячая эмаль, камни, раковины, дерево, акрил
80×70 см
Эстимейт: 100 000 ₽
Дина Богусонова — самарский живописец и эмальер, выпускница Самарского художественного училища им. К.С. Петрова-Водкина, постоянная участница проектов музея «Эрарта» (Санкт-Петербург), а также многих выставок, в том числе в Лондоне, Нью-Йорке, Гонконге. В прошлом году в Самаре состоялась ее большая ретроспектива в галерее «Новое пространство» и большая выставка эмалей в Самарском художественном музее.
В своих работах художница обращается к мотивам природной стихии, а ее эмали напоминают то растекающуюся лаву, то морскую пену, то горячее сверкание угля сквозь потухшую золу.
В композиции «Белая река» розовые медные пластины с бело-изумрудным абстрактным рисунком, выполненным в технике горячей эмали, на подложке из сосны, передают бурление горной реки. В работе использованы и настоящие природные объекты: камни, привезенные художницей из Хакасии и раковины из Персидского залива, что делает Белую реку не столько конкретным географическим объектом, сколько символом вечно меняющейся природы.
Действительно, Белые реки существуют в разных уголках России, но самая известная из них, пожалуй, «река-рука» из песни ДДТ.
Белая река
2023
медь, горячая эмаль, камни, раковины, дерево, акрил
80×70 см
Эстимейт: 100 000 ₽
Дина Богусонова — самарский живописец и эмальер, выпускница Самарского художественного училища им. К.С. Петрова-Водкина, постоянная участница проектов музея «Эрарта» (Санкт-Петербург), а также многих выставок, в том числе в Лондоне, Нью-Йорке, Гонконге. В прошлом году в Самаре состоялась ее большая ретроспектива в галерее «Новое пространство» и большая выставка эмалей в Самарском художественном музее.
В своих работах художница обращается к мотивам природной стихии, а ее эмали напоминают то растекающуюся лаву, то морскую пену, то горячее сверкание угля сквозь потухшую золу.
В композиции «Белая река» розовые медные пластины с бело-изумрудным абстрактным рисунком, выполненным в технике горячей эмали, на подложке из сосны, передают бурление горной реки. В работе использованы и настоящие природные объекты: камни, привезенные художницей из Хакасии и раковины из Персидского залива, что делает Белую реку не столько конкретным географическим объектом, сколько символом вечно меняющейся природы.
Действительно, Белые реки существуют в разных уголках России, но самая известная из них, пожалуй, «река-рука» из песни ДДТ.
4. Антон Вейс
День, когда комната прабабушки стала гостиной
2022
холст, масло, акрил, гуашь, акварель, тушь, батик
50×40 см
Эстимейт: 17 000 ₽
Антон Вейс — занимается концептуальным искусством, работает с инсталляцией, живописью, перформативными практиками, иллюстрацией и комиксом, он участник ряда групповых и трех персональных выставок, в том числе в галерее «Нулевая комната», галерея «Nostalgie».
Основной темой художника является идентичность как пересечение различных контекстов: семейных историй, национальности, сексуальности, политических и гражданских позиций. Его работы посвящены метаморфозам, которые происходят с людьми и вещами в результате переездов, болезней или череды осознаний, когда захламленное старое уступает место пустоте нового.
«День, когда комната прабабушки стала гостиной» рассказывает личную историю, фокусирует внимание на среде, в которой живет ее герой. Жизнь побеждает смерть, и в то же время хранит прошлое. Большое количество разнообразных материалов, которыми написана работа, создают эффект слоистого пространства памяти в доме, балансирующем на грани существующего и воображаемого.
День, когда комната прабабушки стала гостиной
2022
холст, масло, акрил, гуашь, акварель, тушь, батик
50×40 см
Эстимейт: 17 000 ₽
Антон Вейс — занимается концептуальным искусством, работает с инсталляцией, живописью, перформативными практиками, иллюстрацией и комиксом, он участник ряда групповых и трех персональных выставок, в том числе в галерее «Нулевая комната», галерея «Nostalgie».
Основной темой художника является идентичность как пересечение различных контекстов: семейных историй, национальности, сексуальности, политических и гражданских позиций. Его работы посвящены метаморфозам, которые происходят с людьми и вещами в результате переездов, болезней или череды осознаний, когда захламленное старое уступает место пустоте нового.
«День, когда комната прабабушки стала гостиной» рассказывает личную историю, фокусирует внимание на среде, в которой живет ее герой. Жизнь побеждает смерть, и в то же время хранит прошлое. Большое количество разнообразных материалов, которыми написана работа, создают эффект слоистого пространства памяти в доме, балансирующем на грани существующего и воображаемого.
4. Антон Вейс
День, когда комната прабабушки стала гостиной
2022
холст, масло, акрил, гуашь, акварель, тушь, батик
50×40 см
Эстимейт: 17 000 ₽
Антон Вейс — занимается концептуальным искусством, работает с инсталляцией, живописью, перформативными практиками, иллюстрацией и комиксом, он участник ряда групповых и трех персональных выставок, в том числе в галерее «Нулевая комната», галерея «Nostalgie».
Основной темой художника является идентичность как пересечение различных контекстов: семейных историй, национальности, сексуальности, политических и гражданских позиций. Его работы посвящены метаморфозам, которые происходят с людьми и вещами в результате переездов, болезней или череды осознаний, когда захламленное старое уступает место пустоте нового.
«День, когда комната прабабушки стала гостиной» рассказывает личную историю, фокусирует внимание на среде, в которой живет ее герой. Жизнь побеждает смерть, и в то же время хранит прошлое. Большое количество разнообразных материалов, которыми написана работа, создают эффект слоистого пространства памяти в доме, балансирующем на грани существующего и воображаемого.
День, когда комната прабабушки стала гостиной
2022
холст, масло, акрил, гуашь, акварель, тушь, батик
50×40 см
Эстимейт: 17 000 ₽
Антон Вейс — занимается концептуальным искусством, работает с инсталляцией, живописью, перформативными практиками, иллюстрацией и комиксом, он участник ряда групповых и трех персональных выставок, в том числе в галерее «Нулевая комната», галерея «Nostalgie».
Основной темой художника является идентичность как пересечение различных контекстов: семейных историй, национальности, сексуальности, политических и гражданских позиций. Его работы посвящены метаморфозам, которые происходят с людьми и вещами в результате переездов, болезней или череды осознаний, когда захламленное старое уступает место пустоте нового.
«День, когда комната прабабушки стала гостиной» рассказывает личную историю, фокусирует внимание на среде, в которой живет ее герой. Жизнь побеждает смерть, и в то же время хранит прошлое. Большое количество разнообразных материалов, которыми написана работа, создают эффект слоистого пространства памяти в доме, балансирующем на грани существующего и воображаемого.
5. Кирилл Гуров
Территория
2023
оргалит, земля, акрил, клей
85×55 см
Эстимейт: 22 000 ₽
Кирилл Гуров — художник, бывший участник объединения НуМыЖы, работающий в области фотографии и цифрового коллажа, а также создающий скульптуры и инсталляции с использованием земли, других натуральных материалов и гипса. В прошлом году он открыл персональные выставки в главных центрах независимой культуры в Самаре: галерее «Нулевая
комната» и ОССИ «Ми», а в этом — в Victoria Underground и Молодежном центре современного искусства в Ульяновске и стал куратором новаторских проектов самарского краеведческого музея.
Главной темой персональных проектов Гурова является природа, взаимодействие человеческого и нечеловеческого, психогеография природных пространств, главным из которых было село Рождествено, с его окрестностями, полными артефактов зыбкой сельской жизни.
«Территория» — объект логически продолжающий большую серию земляных «картин» художника, в которые он добавляет краску, придает им рельефность, внедряет в их поверхность найденные
предметы. Фактура земли становится здесь объектом созерцания, дышащей фактурой сложной и мистической.
Территория
2023
оргалит, земля, акрил, клей
85×55 см
Эстимейт: 22 000 ₽
Кирилл Гуров — художник, бывший участник объединения НуМыЖы, работающий в области фотографии и цифрового коллажа, а также создающий скульптуры и инсталляции с использованием земли, других натуральных материалов и гипса. В прошлом году он открыл персональные выставки в главных центрах независимой культуры в Самаре: галерее «Нулевая
комната» и ОССИ «Ми», а в этом — в Victoria Underground и Молодежном центре современного искусства в Ульяновске и стал куратором новаторских проектов самарского краеведческого музея.
Главной темой персональных проектов Гурова является природа, взаимодействие человеческого и нечеловеческого, психогеография природных пространств, главным из которых было село Рождествено, с его окрестностями, полными артефактов зыбкой сельской жизни.
«Территория» — объект логически продолжающий большую серию земляных «картин» художника, в которые он добавляет краску, придает им рельефность, внедряет в их поверхность найденные
предметы. Фактура земли становится здесь объектом созерцания, дышащей фактурой сложной и мистической.
6. Мила Гущина
Когда я слышу твой голос…
2023
хлопок, мулине, искусственный жемчуг
47×55 см
Эстимейт: 15 000 ₽
Мила Гущина — художница, выпускница авторских школ современного искусства «Quadro» и «Самарской школы авангарда». Особое место в ее творчестве занимают акварель и вышивка, которые уже успели сверкнуть на ее персональной выставке в галерее «Виктория» «Зверинец», на ярмарках «Контур» (Нижний Новгород) и blazar (Москва), а также на московском Винзаводе на ярмарке winwin.
Центральные образы ее работ — волкоподобные чудовища, пьяницы, львы и обнаженная девушка, в которой угадывается автопортрет художницы. Все эти герои переплетаются в почти
библейские истории о Содоме и Гоморре, Вавилоне и Ноевом ковчеге. Чувства, новости, мечты, друзья, случайные фразы — все становится характером ее зверинца, все ощетинивается, обрастает зубами и когтями.
Каждой вышивке предшествуют акварельные работы, среди которых художница выбирает те, что будут наиболее удачно смотреться на ткани. Кропотливая работа иглой, обилие стежков делают ее произведения эмоционально насыщенными и почти телесными.
Вышивка «Когда я слышу твой голос…» среди других работ Гущиной уникальна тем, что, кроме нитей-мулине, в ней использован искусственный жемчуг. А вышитая фраза, кажущаяся любовным признанием, отсылает к вещему сну князя Святослава из знаменитого памятника древнерусской литературы «Слово о Полку Игореве»: «Этой ночью с вечера одевали меня, чёрным саваном на кровати тисовой, черпали мне синее вино, с горем смешанное, сыпали мне из пустых колчанов поганых иноземцев крупный жемчуг на грудь и нежили меня».
Когда я слышу твой голос…
2023
хлопок, мулине, искусственный жемчуг
47×55 см
Эстимейт: 15 000 ₽
Мила Гущина — художница, выпускница авторских школ современного искусства «Quadro» и «Самарской школы авангарда». Особое место в ее творчестве занимают акварель и вышивка, которые уже успели сверкнуть на ее персональной выставке в галерее «Виктория» «Зверинец», на ярмарках «Контур» (Нижний Новгород) и blazar (Москва), а также на московском Винзаводе на ярмарке winwin.
Центральные образы ее работ — волкоподобные чудовища, пьяницы, львы и обнаженная девушка, в которой угадывается автопортрет художницы. Все эти герои переплетаются в почти
библейские истории о Содоме и Гоморре, Вавилоне и Ноевом ковчеге. Чувства, новости, мечты, друзья, случайные фразы — все становится характером ее зверинца, все ощетинивается, обрастает зубами и когтями.
Каждой вышивке предшествуют акварельные работы, среди которых художница выбирает те, что будут наиболее удачно смотреться на ткани. Кропотливая работа иглой, обилие стежков делают ее произведения эмоционально насыщенными и почти телесными.
Вышивка «Когда я слышу твой голос…» среди других работ Гущиной уникальна тем, что, кроме нитей-мулине, в ней использован искусственный жемчуг. А вышитая фраза, кажущаяся любовным признанием, отсылает к вещему сну князя Святослава из знаменитого памятника древнерусской литературы «Слово о Полку Игореве»: «Этой ночью с вечера одевали меня, чёрным саваном на кровати тисовой, черпали мне синее вино, с горем смешанное, сыпали мне из пустых колчанов поганых иноземцев крупный жемчуг на грудь и нежили меня».
6. Мила Гущина
Когда я слышу твой голос…
2023
хлопок, мулине, искусственный жемчуг
47×55 см
Эстимейт: 15 000 ₽
Мила Гущина — художница, выпускница авторских школ современного искусства «Quadro» и «Самарской школы авангарда». Особое место в ее творчестве занимают акварель и вышивка, которые уже успели сверкнуть на ее персональной выставке в галерее «Виктория» «Зверинец», на ярмарках «Контур» (Нижний Новгород) и blazar (Москва), а также на московском Винзаводе на ярмарке winwin.
Центральные образы ее работ — волкоподобные чудовища, пьяницы, львы и обнаженная девушка, в которой угадывается автопортрет художницы. Все эти герои переплетаются в почти
библейские истории о Содоме и Гоморре, Вавилоне и Ноевом ковчеге. Чувства, новости, мечты, друзья, случайные фразы — все становится характером ее зверинца, все ощетинивается, обрастает зубами и когтями.
Каждой вышивке предшествуют акварельные работы, среди которых художница выбирает те, что будут наиболее удачно смотреться на ткани. Кропотливая работа иглой, обилие стежков делают ее произведения эмоционально насыщенными и почти телесными.
Вышивка «Когда я слышу твой голос…» среди других работ Гущиной уникальна тем, что, кроме нитей-мулине, в ней использован искусственный жемчуг. А вышитая фраза, кажущаяся любовным признанием, отсылает к вещему сну князя Святослава из знаменитого памятника древнерусской литературы «Слово о Полку Игореве»: «Этой ночью с вечера одевали меня, чёрным саваном на кровати тисовой, черпали мне синее вино, с горем смешанное, сыпали мне из пустых колчанов поганых иноземцев крупный жемчуг на грудь и нежили меня».
Когда я слышу твой голос…
2023
хлопок, мулине, искусственный жемчуг
47×55 см
Эстимейт: 15 000 ₽
Мила Гущина — художница, выпускница авторских школ современного искусства «Quadro» и «Самарской школы авангарда». Особое место в ее творчестве занимают акварель и вышивка, которые уже успели сверкнуть на ее персональной выставке в галерее «Виктория» «Зверинец», на ярмарках «Контур» (Нижний Новгород) и blazar (Москва), а также на московском Винзаводе на ярмарке winwin.
Центральные образы ее работ — волкоподобные чудовища, пьяницы, львы и обнаженная девушка, в которой угадывается автопортрет художницы. Все эти герои переплетаются в почти
библейские истории о Содоме и Гоморре, Вавилоне и Ноевом ковчеге. Чувства, новости, мечты, друзья, случайные фразы — все становится характером ее зверинца, все ощетинивается, обрастает зубами и когтями.
Каждой вышивке предшествуют акварельные работы, среди которых художница выбирает те, что будут наиболее удачно смотреться на ткани. Кропотливая работа иглой, обилие стежков делают ее произведения эмоционально насыщенными и почти телесными.
Вышивка «Когда я слышу твой голос…» среди других работ Гущиной уникальна тем, что, кроме нитей-мулине, в ней использован искусственный жемчуг. А вышитая фраза, кажущаяся любовным признанием, отсылает к вещему сну князя Святослава из знаменитого памятника древнерусской литературы «Слово о Полку Игореве»: «Этой ночью с вечера одевали меня, чёрным саваном на кровати тисовой, черпали мне синее вино, с горем смешанное, сыпали мне из пустых колчанов поганых иноземцев крупный жемчуг на грудь и нежили меня».
7. Олег Елагин
Digital night
Из серии «Deep digital dream»
2019
бумага, уголь, пастель
70×100 см
Эстимейт: 27 000 ₽
Олег Елагин — медиа-художник, видео-артист, музыкант, участник выставок во многих городах России и мира, включая Москву, Владивосток, Нью-Йорк, Сан-Паулу и Барселону, стипендиат художественной резиденции Vyksa Air (2018), номинант премии им. Сергея Курёхина (2015). В Самаре его персональные выставки проходили в «Арт-центре» (2013) и Самарском художественном музее (2019).
Елагин создает звуковые и визуальные объекты на грани цифровой и материальной реальности: музыка, извлекаемая световым лучом из кристаллов, работа со стоковыми видео, цифровыми сбоями в фотографиях.
Серия «Глубокая цифровая ночь» была показана на персональной выставке художника в Самарском художественном музее в 2019, где он так рассказывал о процессе ее создания: «Я нахожу в городе самое темное место, например, заброшенный парк. Там делаю снимки, на которых ничего не видно, и потом, при помощи различных графических алгоритмов, получается некий цифровой эскиз, который я впоследствии дорабатываю вручную на планшете, а уже потом перевожу на бумагу углем и пастелью».
Эта и другие работы художника из этой серии токенизированы, и их также можно приобрести в NFT, однако, именно оригинальная версия сохраняет парадоксальное «зависание» между цифровым источником и ручным исполнением.
Digital night
Из серии «Deep digital dream»
2019
бумага, уголь, пастель
70×100 см
Эстимейт: 27 000 ₽
Олег Елагин — медиа-художник, видео-артист, музыкант, участник выставок во многих городах России и мира, включая Москву, Владивосток, Нью-Йорк, Сан-Паулу и Барселону, стипендиат художественной резиденции Vyksa Air (2018), номинант премии им. Сергея Курёхина (2015). В Самаре его персональные выставки проходили в «Арт-центре» (2013) и Самарском художественном музее (2019).
Елагин создает звуковые и визуальные объекты на грани цифровой и материальной реальности: музыка, извлекаемая световым лучом из кристаллов, работа со стоковыми видео, цифровыми сбоями в фотографиях.
Серия «Глубокая цифровая ночь» была показана на персональной выставке художника в Самарском художественном музее в 2019, где он так рассказывал о процессе ее создания: «Я нахожу в городе самое темное место, например, заброшенный парк. Там делаю снимки, на которых ничего не видно, и потом, при помощи различных графических алгоритмов, получается некий цифровой эскиз, который я впоследствии дорабатываю вручную на планшете, а уже потом перевожу на бумагу углем и пастелью».
Эта и другие работы художника из этой серии токенизированы, и их также можно приобрести в NFT, однако, именно оригинальная версия сохраняет парадоксальное «зависание» между цифровым источником и ручным исполнением.
8. Алексей Журавлев
На траве
2023
холст, масло
60×50 см
Эстимейт: 35 000 ₽
Алексей Журавлев — художник, окончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина, «Свободные мастерские» при ММСИ и Школу Родченко, он победитель конкурса «Взлёт» на ВДНХ, резидент мастерских «Винзавода», участник московского независимого объединения «ИП Виноградов». Его работы находятся в коллекции Мультимедиа Арт Музея, Москва. В настоящее время живет в Самаре.
Журавлев работает с различными медиа от живописи до видео и скульптур из пенопласта. Его интересует мистическая сторона повседневных предметов и образов, которые он наделяет самостоятельным голосом.
Работа «На траве» из серии, которая впервые была показана на персональной выставке художника и его подруги и художницы Анастасии Деревякиной «Морщинки на кончиках пальцев». Это фрагменты пейзажей, в которых на земле и в воде разбросаны различные предметы, оплетенные неизвестными, кажущимися хищными, растениями. Пейзаж с розово-синим цветком и отрезанной рукой — словно картинка с другой планеты, где мы уже не знаем, что обладает сознанием, а что нет.
На траве
2023
холст, масло
60×50 см
Эстимейт: 35 000 ₽
Алексей Журавлев — художник, окончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина, «Свободные мастерские» при ММСИ и Школу Родченко, он победитель конкурса «Взлёт» на ВДНХ, резидент мастерских «Винзавода», участник московского независимого объединения «ИП Виноградов». Его работы находятся в коллекции Мультимедиа Арт Музея, Москва. В настоящее время живет в Самаре.
Журавлев работает с различными медиа от живописи до видео и скульптур из пенопласта. Его интересует мистическая сторона повседневных предметов и образов, которые он наделяет самостоятельным голосом.
Работа «На траве» из серии, которая впервые была показана на персональной выставке художника и его подруги и художницы Анастасии Деревякиной «Морщинки на кончиках пальцев». Это фрагменты пейзажей, в которых на земле и в воде разбросаны различные предметы, оплетенные неизвестными, кажущимися хищными, растениями. Пейзаж с розово-синим цветком и отрезанной рукой — словно картинка с другой планеты, где мы уже не знаем, что обладает сознанием, а что нет.
8. Алексей Журавлев
На траве
2023
холст, масло
60×50 см
Эстимейт: 35 000 ₽
Алексей Журавлев — художник, окончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина, «Свободные мастерские» при ММСИ и Школу Родченко, он победитель конкурса «Взлёт» на ВДНХ, резидент мастерских «Винзавода», участник московского независимого объединения «ИП Виноградов». Его работы находятся в коллекции Мультимедиа Арт Музея, Москва. В настоящее время живет в Самаре.
Журавлев работает с различными медиа от живописи до видео и скульптур из пенопласта. Его интересует мистическая сторона повседневных предметов и образов, которые он наделяет самостоятельным голосом.
Работа «На траве» из серии, которая впервые была показана на персональной выставке художника и его подруги и художницы Анастасии Деревякиной «Морщинки на кончиках пальцев». Это фрагменты пейзажей, в которых на земле и в воде разбросаны различные предметы, оплетенные неизвестными, кажущимися хищными, растениями. Пейзаж с розово-синим цветком и отрезанной рукой — словно картинка с другой планеты, где мы уже не знаем, что обладает сознанием, а что нет.
На траве
2023
холст, масло
60×50 см
Эстимейт: 35 000 ₽
Алексей Журавлев — художник, окончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина, «Свободные мастерские» при ММСИ и Школу Родченко, он победитель конкурса «Взлёт» на ВДНХ, резидент мастерских «Винзавода», участник московского независимого объединения «ИП Виноградов». Его работы находятся в коллекции Мультимедиа Арт Музея, Москва. В настоящее время живет в Самаре.
Журавлев работает с различными медиа от живописи до видео и скульптур из пенопласта. Его интересует мистическая сторона повседневных предметов и образов, которые он наделяет самостоятельным голосом.
Работа «На траве» из серии, которая впервые была показана на персональной выставке художника и его подруги и художницы Анастасии Деревякиной «Морщинки на кончиках пальцев». Это фрагменты пейзажей, в которых на земле и в воде разбросаны различные предметы, оплетенные неизвестными, кажущимися хищными, растениями. Пейзаж с розово-синим цветком и отрезанной рукой — словно картинка с другой планеты, где мы уже не знаем, что обладает сознанием, а что нет.
9. Клаус
Сотрудники
2023
холст, акрил, карандаш
100×200 см
Эстимейт: 30 000 ₽
Клаус — пожалуй самый таинственный и медийный художник Самары. Он начал с граффити на самых видных местах города, а популярность снискал, когда стал располагать на фасадах домов необычайных монструозных персонажей из скотча и пенопласта. Его произведения то демонтировала городская администрация, то на их создание собирали донаты всей Самарой.
Галерейный мир принял Клауса после выставки «Стрит-арт: консервация» в галерее «Виктория» (2015), после чего он получил несколько арт-премий, а его гипсовые маски стали предметом охоты коллекционеров.
«Сотрудники» — уникальная работа для Клауса, крупное полотно, в котором художник проявил себя как рисовальщик, создав групповой портрет из своих странноватых персонажей с инопланетными очертаниями. Карикатурная легкость сочетается здесь с романтикой стимпанка, небрежность рисунка с эмоциональностью поз, напоминающих хоровые композиции средневековых фресок.
Сотрудники
2023
холст, акрил, карандаш
100×200 см
Эстимейт: 30 000 ₽
Клаус — пожалуй самый таинственный и медийный художник Самары. Он начал с граффити на самых видных местах города, а популярность снискал, когда стал располагать на фасадах домов необычайных монструозных персонажей из скотча и пенопласта. Его произведения то демонтировала городская администрация, то на их создание собирали донаты всей Самарой.
Галерейный мир принял Клауса после выставки «Стрит-арт: консервация» в галерее «Виктория» (2015), после чего он получил несколько арт-премий, а его гипсовые маски стали предметом охоты коллекционеров.
«Сотрудники» — уникальная работа для Клауса, крупное полотно, в котором художник проявил себя как рисовальщик, создав групповой портрет из своих странноватых персонажей с инопланетными очертаниями. Карикатурная легкость сочетается здесь с романтикой стимпанка, небрежность рисунка с эмоциональностью поз, напоминающих хоровые композиции средневековых фресок.
10. Иван Ключников
Март. Синяя тень
2019
холст, масло
43×141 см
Эстимейт: 55 000 ₽
Иван Ключников — самарский художник, выпускник Самарского института культуры, участник выставок в Музее Модерна, Средневолжском филиале ГЦСИ, галерее «Формограмма», резидент Фонда В. Смирнова и К. Сорокина (совместно с Леонидом Цхе, 2016) и Музея современного искусства «Гараж» (2023).
Живопись художника основана на тактильном и мускульном освоении реальности: его ранние работы были связаны с фактурой ковров, проволокой, экстатическими движениями кистью. В то же время он вдумчиво обращается к теоретическому и творческому наследию художников-модернистов Василия Кандинского и Алексея Явленского, антропософскому искусству и эзотерике. Сопряжение созерцательно-чувственного, цветового и экспрессивного, двигательного начал составляют главную интригу в его живописных работах.
Работа «Март. Синяя тень» представляет собой живописную вариацию на тему фотографии, случайно сделанную художником, стоящим в сугробе и снимающим на телефон свою тень и следы
на снегу в вечерних сумерках. Зыбкое изображение балансирует между абстракцией и конкретностью. Воображение зрителя заполняет нерезкие очертания этого автопортрета в стиле blues, где в роли зеркала художнику служит голубой снежный покров.
Март. Синяя тень
2019
холст, масло
43×141 см
Эстимейт: 55 000 ₽
Иван Ключников — самарский художник, выпускник Самарского института культуры, участник выставок в Музее Модерна, Средневолжском филиале ГЦСИ, галерее «Формограмма», резидент Фонда В. Смирнова и К. Сорокина (совместно с Леонидом Цхе, 2016) и Музея современного искусства «Гараж» (2023).
Живопись художника основана на тактильном и мускульном освоении реальности: его ранние работы были связаны с фактурой ковров, проволокой, экстатическими движениями кистью. В то же время он вдумчиво обращается к теоретическому и творческому наследию художников-модернистов Василия Кандинского и Алексея Явленского, антропософскому искусству и эзотерике. Сопряжение созерцательно-чувственного, цветового и экспрессивного, двигательного начал составляют главную интригу в его живописных работах.
Работа «Март. Синяя тень» представляет собой живописную вариацию на тему фотографии, случайно сделанную художником, стоящим в сугробе и снимающим на телефон свою тень и следы
на снегу в вечерних сумерках. Зыбкое изображение балансирует между абстракцией и конкретностью. Воображение зрителя заполняет нерезкие очертания этого автопортрета в стиле blues, где в роли зеркала художнику служит голубой снежный покров.
10. Иван Ключников
Март. Синяя тень
2019
холст, масло
43×141 см
Эстимейт: 55 000 ₽
Иван Ключников — самарский художник, выпускник Самарского института культуры, участник выставок в Музее Модерна, Средневолжском филиале ГЦСИ, галерее «Формограмма», резидент Фонда В. Смирнова и К. Сорокина (совместно с Леонидом Цхе, 2016) и Музея современного искусства «Гараж» (2023).
Живопись художника основана на тактильном и мускульном освоении реальности: его ранние работы были связаны с фактурой ковров, проволокой, экстатическими движениями кистью. В то же время он вдумчиво обращается к теоретическому и творческому наследию художников-модернистов Василия Кандинского и Алексея Явленского, антропософскому искусству и эзотерике. Сопряжение созерцательно-чувственного, цветового и экспрессивного, двигательного начал составляют главную интригу в его живописных работах.
Работа «Март. Синяя тень» представляет собой живописную вариацию на тему фотографии, случайно сделанную художником, стоящим в сугробе и снимающим на телефон свою тень и следы
на снегу в вечерних сумерках. Зыбкое изображение балансирует между абстракцией и конкретностью. Воображение зрителя заполняет нерезкие очертания этого автопортрета в стиле blues, где в роли зеркала художнику служит голубой снежный покров.
Март. Синяя тень
2019
холст, масло
43×141 см
Эстимейт: 55 000 ₽
Иван Ключников — самарский художник, выпускник Самарского института культуры, участник выставок в Музее Модерна, Средневолжском филиале ГЦСИ, галерее «Формограмма», резидент Фонда В. Смирнова и К. Сорокина (совместно с Леонидом Цхе, 2016) и Музея современного искусства «Гараж» (2023).
Живопись художника основана на тактильном и мускульном освоении реальности: его ранние работы были связаны с фактурой ковров, проволокой, экстатическими движениями кистью. В то же время он вдумчиво обращается к теоретическому и творческому наследию художников-модернистов Василия Кандинского и Алексея Явленского, антропософскому искусству и эзотерике. Сопряжение созерцательно-чувственного, цветового и экспрессивного, двигательного начал составляют главную интригу в его живописных работах.
Работа «Март. Синяя тень» представляет собой живописную вариацию на тему фотографии, случайно сделанную художником, стоящим в сугробе и снимающим на телефон свою тень и следы
на снегу в вечерних сумерках. Зыбкое изображение балансирует между абстракцией и конкретностью. Воображение зрителя заполняет нерезкие очертания этого автопортрета в стиле blues, где в роли зеркала художнику служит голубой снежный покров.
11. Роман Козлов
Преимущественно синий
2023
холст, акрил
80×60 см
Эстимейт: 15 000 ₽
Роман Козлов начинал с рисования граффити, через которое пришел к графике и живописи, которую показывал в галерее «Нулевая комната» и Самарском художественном музее, а его работы неизменно пользуются успехом на аукционах молодого искусства галереи «Виктория». В настоящее время учится в Институте современного искусства И. Бакштейна в Москве.
В своих станковых работах он составляет портреты из геометрических фрагментов, создавая образы бесконечно вглядывающихся в себя людей.
«Преимущественно синий» — калейдоскопический лик, соединяющий монументальный анфас героя с дробленой манерой футуристов. Лазуритовые оттенки картины делают ее чрезвычайно глубокой и яркой, призывая зрителя к ее символическому толкованию.
Преимущественно синий
2023
холст, акрил
80×60 см
Эстимейт: 15 000 ₽
Роман Козлов начинал с рисования граффити, через которое пришел к графике и живописи, которую показывал в галерее «Нулевая комната» и Самарском художественном музее, а его работы неизменно пользуются успехом на аукционах молодого искусства галереи «Виктория». В настоящее время учится в Институте современного искусства И. Бакштейна в Москве.
В своих станковых работах он составляет портреты из геометрических фрагментов, создавая образы бесконечно вглядывающихся в себя людей.
«Преимущественно синий» — калейдоскопический лик, соединяющий монументальный анфас героя с дробленой манерой футуристов. Лазуритовые оттенки картины делают ее чрезвычайно глубокой и яркой, призывая зрителя к ее символическому толкованию.
12. Сергей Осьмачкин
Сверток
1989
серебряно-желатиновая печать
41,6×51,1 см
Тираж 2/2
Эстимейт: 50 000 ₽
Сергей Осьмачкин — классик российской фотографии, пионер стрит-фотографии в Самаре, сооснователь и активный участник фотоклубов «Самара» и «Fixxer». Многие из его снимков находятся в публичных собраниях России, США, Германии и Франции. Его крупная ретроспектива прошла в 2021 году в Музейно-выставочном центре РОСФОТО (Санкт-Петербург). Работы находятся во многих важных собраниях от Национальной библиотеки Франции и Художественного музея Нью-Мексико до Мультимедиа Арт Музея в Москве.
Философ Виталий Лехциер писал о нем: «Он мыслит зрением там, где мы привыкли видеть умом». Свет и тень, блеск и матовость, форма и дымка в его работах становятся самостоятельными героями, ведущими между собой таинственный разговор.
«Сверток» — уникальный отпечаток из серии «Натюрморты» 1989 года, в котором фотограф фокусирует внимание на фактуре бумаги, легких тенях, покрывающих ее зернистую поверхность.
Кадр можно назвать фотографическим «черным квадратом», поскольку предмет его изображения — оболочка, чье содержание нам недоступно, но в то же время представляющая собой самостоятельный эстетический объект.
Сверток
1989
серебряно-желатиновая печать
41,6×51,1 см
Тираж 2/2
Эстимейт: 50 000 ₽
Сергей Осьмачкин — классик российской фотографии, пионер стрит-фотографии в Самаре, сооснователь и активный участник фотоклубов «Самара» и «Fixxer». Многие из его снимков находятся в публичных собраниях России, США, Германии и Франции. Его крупная ретроспектива прошла в 2021 году в Музейно-выставочном центре РОСФОТО (Санкт-Петербург). Работы находятся во многих важных собраниях от Национальной библиотеки Франции и Художественного музея Нью-Мексико до Мультимедиа Арт Музея в Москве.
Философ Виталий Лехциер писал о нем: «Он мыслит зрением там, где мы привыкли видеть умом». Свет и тень, блеск и матовость, форма и дымка в его работах становятся самостоятельными героями, ведущими между собой таинственный разговор.
«Сверток» — уникальный отпечаток из серии «Натюрморты» 1989 года, в котором фотограф фокусирует внимание на фактуре бумаги, легких тенях, покрывающих ее зернистую поверхность.
Кадр можно назвать фотографическим «черным квадратом», поскольку предмет его изображения — оболочка, чье содержание нам недоступно, но в то же время представляющая собой самостоятельный эстетический объект.
12. Сергей Осьмачкин
Сверток
1989
серебряно-желатиновая печать
41,6×51,1 см
Тираж 2/2
Эстимейт: 50 000 ₽
Сергей Осьмачкин — классик российской фотографии, пионер стрит-фотографии в Самаре, сооснователь и активный участник фотоклубов «Самара» и «Fixxer». Многие из его снимков находятся в публичных собраниях России, США, Германии и Франции. Его крупная ретроспектива прошла в 2021 году в Музейно-выставочном центре РОСФОТО (Санкт-Петербург). Работы находятся во многих важных собраниях от Национальной библиотеки Франции и Художественного музея Нью-Мексико до Мультимедиа Арт Музея в Москве.
Философ Виталий Лехциер писал о нем: «Он мыслит зрением там, где мы привыкли видеть умом». Свет и тень, блеск и матовость, форма и дымка в его работах становятся самостоятельными героями, ведущими между собой таинственный разговор.
«Сверток» — уникальный отпечаток из серии «Натюрморты» 1989 года, в котором фотограф фокусирует внимание на фактуре бумаги, легких тенях, покрывающих ее зернистую поверхность.
Кадр можно назвать фотографическим «черным квадратом», поскольку предмет его изображения — оболочка, чье содержание нам недоступно, но в то же время представляющая собой самостоятельный эстетический объект.
Сверток
1989
серебряно-желатиновая печать
41,6×51,1 см
Тираж 2/2
Эстимейт: 50 000 ₽
Сергей Осьмачкин — классик российской фотографии, пионер стрит-фотографии в Самаре, сооснователь и активный участник фотоклубов «Самара» и «Fixxer». Многие из его снимков находятся в публичных собраниях России, США, Германии и Франции. Его крупная ретроспектива прошла в 2021 году в Музейно-выставочном центре РОСФОТО (Санкт-Петербург). Работы находятся во многих важных собраниях от Национальной библиотеки Франции и Художественного музея Нью-Мексико до Мультимедиа Арт Музея в Москве.
Философ Виталий Лехциер писал о нем: «Он мыслит зрением там, где мы привыкли видеть умом». Свет и тень, блеск и матовость, форма и дымка в его работах становятся самостоятельными героями, ведущими между собой таинственный разговор.
«Сверток» — уникальный отпечаток из серии «Натюрморты» 1989 года, в котором фотограф фокусирует внимание на фактуре бумаги, легких тенях, покрывающих ее зернистую поверхность.
Кадр можно назвать фотографическим «черным квадратом», поскольку предмет его изображения — оболочка, чье содержание нам недоступно, но в то же время представляющая собой самостоятельный эстетический объект.
13. Анна Леденёва
Лик
Из серии «Data Divinity»
2023
искусственный мех
36×68 см
Эстимейт: 8 000 ₽
Анна Леденёва — молодая художница, создающая из искусственного меха образы реальных и фантастических животных, которые можно было увидеть, как на ее персональной выставке в галерее «Формограмма», так и в галерее «Ходынка» ЦВЗ Москвы, а также на ярмарке blazar, куда она была отобрана как независимый художник. В своих работах она соединяет аллегоризм сновидений с чувственной тактильностью, которая важна при взаимодействии с ее произведениями.
Лик, из серии «Data Divinity» (в переводе с латинского — «Божественность данных») — часть проекта художницы, в котором она, вслед за Владиславом Ефимовым и Аристархом Чернышевым, обращается к цифровой развертке человека. Перенося ее на искусственные шкуры животных, она перебрасывает мост между человеком и животным, между виртуальным миром компьютерных игр и осязаемым наших тел.
Лик
Из серии «Data Divinity»
2023
искусственный мех
36×68 см
Эстимейт: 8 000 ₽
Анна Леденёва — молодая художница, создающая из искусственного меха образы реальных и фантастических животных, которые можно было увидеть, как на ее персональной выставке в галерее «Формограмма», так и в галерее «Ходынка» ЦВЗ Москвы, а также на ярмарке blazar, куда она была отобрана как независимый художник. В своих работах она соединяет аллегоризм сновидений с чувственной тактильностью, которая важна при взаимодействии с ее произведениями.
Лик, из серии «Data Divinity» (в переводе с латинского — «Божественность данных») — часть проекта художницы, в котором она, вслед за Владиславом Ефимовым и Аристархом Чернышевым, обращается к цифровой развертке человека. Перенося ее на искусственные шкуры животных, она перебрасывает мост между человеком и животным, между виртуальным миром компьютерных игр и осязаемым наших тел.
14. Дима Птицын
Объятия. Москва
2018
серебряно-желатиновый отпечаток, бумага ILFORD MULTIGRADE RC DELUXE SATIN
Тираж 1/3+1
50×60 см
Эстимейт: 30 000 ₽
Дмитрий Птицын — самарский фотограф, художник, музыкант, выпускник петербургской школы фотографии ДокДокДок, участник выставок в Музее Модерна, галерее «Виктория», Всероссийском Музее Прикладного Искусства (Москва).
В своей практике Дмитрий Птицын работает с субкультурами, обращается к темам повседневности, национальной идентичности, китча и культуры потребления. Среди его постоянных персонажей — маргиналы и любовные парочки, панки и уличные животные. Картины привокзального быта или опенэйры в лесу — что бы он не снимал, перед нами предстают картины неунывающей широкой русской души.
«Объятия» — одна из самых нежных фотографий Птицына. Молодые герои застыли в момент утешающих объятий. Их история неизвестна. Возможно, все трое встретились в первый и последний раз, но их характер и их чувства таковы, что они готовы делиться и делить их с каждым, кто откроет им объятия. Снимок отверженных парней, сбитых в кучу судьбой, воплощает гуманистический идеал о растворении в коллективном теле, тайную мечту каждого человека об утраченном человеческом братстве.
Объятия. Москва
2018
серебряно-желатиновый отпечаток, бумага ILFORD MULTIGRADE RC DELUXE SATIN
Тираж 1/3+1
50×60 см
Эстимейт: 30 000 ₽
Дмитрий Птицын — самарский фотограф, художник, музыкант, выпускник петербургской школы фотографии ДокДокДок, участник выставок в Музее Модерна, галерее «Виктория», Всероссийском Музее Прикладного Искусства (Москва).
В своей практике Дмитрий Птицын работает с субкультурами, обращается к темам повседневности, национальной идентичности, китча и культуры потребления. Среди его постоянных персонажей — маргиналы и любовные парочки, панки и уличные животные. Картины привокзального быта или опенэйры в лесу — что бы он не снимал, перед нами предстают картины неунывающей широкой русской души.
«Объятия» — одна из самых нежных фотографий Птицына. Молодые герои застыли в момент утешающих объятий. Их история неизвестна. Возможно, все трое встретились в первый и последний раз, но их характер и их чувства таковы, что они готовы делиться и делить их с каждым, кто откроет им объятия. Снимок отверженных парней, сбитых в кучу судьбой, воплощает гуманистический идеал о растворении в коллективном теле, тайную мечту каждого человека об утраченном человеческом братстве.
14. Дима Птицын
Объятия. Москва
2018
Серебряно-желатиновый отпечаток, бумага ILFORD MULTIGRADE RC DELUXE SATIN
Тираж 1/3+1
50×60 см
Эстимейт: 30 000 ₽
Дмитрий Птицын — самарский фотограф, художник, музыкант, выпускник петербургской школы фотографии ДокДокДок, участник выставок в Музее Модерна, галерее «Виктория», Всероссийском Музее Прикладного Искусства (Москва).
В своей практике Дмитрий Птицын работает с субкультурами, обращается к темам повседневности, национальной идентичности, китча и культуры потребления. Среди его постоянных персонажей — маргиналы и любовные парочки, панки и уличные животные. Картины привокзального быта или опенэйры в лесу — что бы он не снимал, перед нами предстают картины неунывающей широкой русской души.
«Объятия» — одна из самых нежных фотографий Птицына. Молодые герои застыли в момент утешающих объятий. Их история неизвестна. Возможно, все трое встретились в первый и последний раз, но их характер и их чувства таковы, что они готовы делиться и делить их с каждым, кто откроет им объятия. Снимок отверженных парней, сбитых в кучу судьбой, воплощает гуманистический идеал о растворении в коллективном теле, тайную мечту каждого человека об утраченном человеческом братстве.
Объятия. Москва
2018
Серебряно-желатиновый отпечаток, бумага ILFORD MULTIGRADE RC DELUXE SATIN
Тираж 1/3+1
50×60 см
Эстимейт: 30 000 ₽
Дмитрий Птицын — самарский фотограф, художник, музыкант, выпускник петербургской школы фотографии ДокДокДок, участник выставок в Музее Модерна, галерее «Виктория», Всероссийском Музее Прикладного Искусства (Москва).
В своей практике Дмитрий Птицын работает с субкультурами, обращается к темам повседневности, национальной идентичности, китча и культуры потребления. Среди его постоянных персонажей — маргиналы и любовные парочки, панки и уличные животные. Картины привокзального быта или опенэйры в лесу — что бы он не снимал, перед нами предстают картины неунывающей широкой русской души.
«Объятия» — одна из самых нежных фотографий Птицына. Молодые герои застыли в момент утешающих объятий. Их история неизвестна. Возможно, все трое встретились в первый и последний раз, но их характер и их чувства таковы, что они готовы делиться и делить их с каждым, кто откроет им объятия. Снимок отверженных парней, сбитых в кучу судьбой, воплощает гуманистический идеал о растворении в коллективном теле, тайную мечту каждого человека об утраченном человеческом братстве.
15. Полина Самыкина
Река жизни
2022
гобелен, акриловые, хлопковые, шерстяные нитки, пряжа-травка
80×67 см
Эстимейт: 20 000 ₽
Полина Самыкина — молодая художница, окончила Самарский государственный институт культуры, факультет Монументально-декоративного искусства, неоднократная участница Аукциона молодого искусства, резидент галереи «419» (Самара), участница выставок и проектов галереи «Виктория» и «Формограмма».
Художница много работает с графикой, в том числе создавая необычные коллажные и ассамбляжные композиции из отдельных рисованных элементов и комбинируя материалы. Она делает особый упор на создании эффекта движения, динамичности в изображении.
«Река жизни» — необычная для художницы почти абстрактная работа в редкой технике гобелена. Философский образ, знакомый с древнейших времен, становится бурлящим потоком, сотканным
из нитей и полос ткани. «Домашний», «теплый», и в то же время неуловимый, растекающийся.
Одновременно река и отражение в реке, разбитое на множество текущих струй, среди которых можно разглядеть брезжущие контуры деревьев и храмов. Но подлинный мир можно увидеть, глядя в эту реку, только в своем воображении.
Река жизни
2022
гобелен, акриловые, хлопковые, шерстяные нитки, пряжа-травка
80×67 см
Эстимейт: 20 000 ₽
Полина Самыкина — молодая художница, окончила Самарский государственный институт культуры, факультет Монументально-декоративного искусства, неоднократная участница Аукциона молодого искусства, резидент галереи «419» (Самара), участница выставок и проектов галереи «Виктория» и «Формограмма».
Художница много работает с графикой, в том числе создавая необычные коллажные и ассамбляжные композиции из отдельных рисованных элементов и комбинируя материалы. Она делает особый упор на создании эффекта движения, динамичности в изображении.
«Река жизни» — необычная для художницы почти абстрактная работа в редкой технике гобелена. Философский образ, знакомый с древнейших времен, становится бурлящим потоком, сотканным
из нитей и полос ткани. «Домашний», «теплый», и в то же время неуловимый, растекающийся.
Одновременно река и отражение в реке, разбитое на множество текущих струй, среди которых можно разглядеть брезжущие контуры деревьев и храмов. Но подлинный мир можно увидеть, глядя в эту реку, только в своем воображении.
16. Дмитрий Сидоров
Последний танец
2020
холст, масло
170×140 см
Эстимейт: 50 000 ₽
Дмитрий Сидоров — художник и один из самых перспективных молодых авторов, неоднократный участник аукционов галереи «Виктория».
Яркие современные цвета, вызывающие экстравагантные сюжеты, все это не оставляет зрителя равнодушным. Манера художника вызывает ассоциации с лейпцигской живописной школой, в которой соединяются соцреалистическая фигуративность и поп-артовское стремление вырвать предмет из привычного контекста, превратив его в динамическое цветовое пятно.
«Последний танец» напоминает манифест постмодерна, игривый живописный коллаж, в котором сексуальная горничная втягивает мужчину в деловом костюме в танец на красной дорожке, а белый конь и замаскированный ослик как бы удваивают эту сцену, преумножая возможные аллюзии.
Последний танец
2020
холст, масло
170×140 см
Эстимейт: 50 000 ₽
Дмитрий Сидоров — художник и один из самых перспективных молодых авторов, неоднократный участник аукционов галереи «Виктория».
Яркие современные цвета, вызывающие экстравагантные сюжеты, все это не оставляет зрителя равнодушным. Манера художника вызывает ассоциации с лейпцигской живописной школой, в которой соединяются соцреалистическая фигуративность и поп-артовское стремление вырвать предмет из привычного контекста, превратив его в динамическое цветовое пятно.
«Последний танец» напоминает манифест постмодерна, игривый живописный коллаж, в котором сексуальная горничная втягивает мужчину в деловом костюме в танец на красной дорожке, а белый конь и замаскированный ослик как бы удваивают эту сцену, преумножая возможные аллюзии.
16. Дмитрий Сидоров
Последний танец
2020
холст, масло
170×140 см
Эстимейт: 50 000 ₽
Дмитрий Сидоров — художник и один из самых перспективных молодых авторов, неоднократный участник аукционов галереи «Виктория».
Яркие современные цвета, вызывающие экстравагантные сюжеты, все это не оставляет зрителя равнодушным. Манера художника вызывает ассоциации с лейпцигской живописной школой, в которой соединяются соцреалистическая фигуративность и поп-артовское стремление вырвать предмет из привычного контекста, превратив его в динамическое цветовое пятно.
«Последний танец» напоминает манифест постмодерна, игривый живописный коллаж, в котором сексуальная горничная втягивает мужчину в деловом костюме в танец на красной дорожке, а белый конь и замаскированный ослик как бы удваивают эту сцену, преумножая возможные аллюзии.
Последний танец
2020
холст, масло
170×140 см
Эстимейт: 50 000 ₽
Дмитрий Сидоров — художник и один из самых перспективных молодых авторов, неоднократный участник аукционов галереи «Виктория».
Яркие современные цвета, вызывающие экстравагантные сюжеты, все это не оставляет зрителя равнодушным. Манера художника вызывает ассоциации с лейпцигской живописной школой, в которой соединяются соцреалистическая фигуративность и поп-артовское стремление вырвать предмет из привычного контекста, превратив его в динамическое цветовое пятно.
«Последний танец» напоминает манифест постмодерна, игривый живописный коллаж, в котором сексуальная горничная втягивает мужчину в деловом костюме в танец на красной дорожке, а белый конь и замаскированный ослик как бы удваивают эту сцену, преумножая возможные аллюзии.
17. Олег Симбат
15.10.20
2020
флизелин, акварель
30×39 см
Эстимейт: 6 000 ₽
Олег Симбат— художник из Чапаевска, закончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина. После многих лет молчания вместе с Иваном Гудзловенко представил свои работы навыставке «Уход в лес». Эту выставку и отдельные работы уже увидели в Самаре, Казани и Москве.
В его работах не встретишь человека. Лаконичные по исполнению, его пейзажи стремятся к универсальности ипредельному сжатию реальных объектов в знак, эмблему. Много размышляя и собирая материалы о сегодняшнем дне в своих рабочих дневниках, он перерабатывает внешние впечатления от новостей и природы в язык динамики и статики. Одиночество, сопротивление, дружба, любовь всегда находят у него иконическое воплощение, знаковую оболочку незыблемых основ мироздания. В то же время эти «иконы природы» полны чувственной вибрации: ворсистые контуры, волнистые линии, пульсирующие пятна.
Вместо названий художник датирует свои работы. Рисунок от 15 октября 2020 года представляет собой расщепленный осенний ночной пейзаж, в котором абрис леса, дерево, звезды и месяц стали отдельными фигурами — линиями и ромбами. Одушевляя все элементы природы, Симбат добивается того, что далекие и близкие, большие и малые объекты уравниваются и оказываются способны на взаимные признания.
15.10.20
2020
флизелин, акварель
30×39 см
Эстимейт: 6 000 ₽
Олег Симбат— художник из Чапаевска, закончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина. После многих лет молчания вместе с Иваном Гудзловенко представил свои работы навыставке «Уход в лес». Эту выставку и отдельные работы уже увидели в Самаре, Казани и Москве.
В его работах не встретишь человека. Лаконичные по исполнению, его пейзажи стремятся к универсальности ипредельному сжатию реальных объектов в знак, эмблему. Много размышляя и собирая материалы о сегодняшнем дне в своих рабочих дневниках, он перерабатывает внешние впечатления от новостей и природы в язык динамики и статики. Одиночество, сопротивление, дружба, любовь всегда находят у него иконическое воплощение, знаковую оболочку незыблемых основ мироздания. В то же время эти «иконы природы» полны чувственной вибрации: ворсистые контуры, волнистые линии, пульсирующие пятна.
Вместо названий художник датирует свои работы. Рисунок от 15 октября 2020 года представляет собой расщепленный осенний ночной пейзаж, в котором абрис леса, дерево, звезды и месяц стали отдельными фигурами — линиями и ромбами. Одушевляя все элементы природы, Симбат добивается того, что далекие и близкие, большие и малые объекты уравниваются и оказываются способны на взаимные признания.
18. Оксана Стогова
Посвящение — 6
2020
оргалит, масло
100×36,5 см
Эстимейт: 55 000 ₽
Оксана Стогова — художница, окончила Куйбышевское художественное училище, основатель школы современного искусства Quadro, участник многочисленных выставок в России и Европе.
Большую роль в ее работах играет алеаторика: принцип создания работ, основанный на случайности и заимствовании образов из хаоса реального мира. Сфера интересов Стоговой — сфера абстрактного, язык цветов, форм и фактур, рассеянных в повседневности: географические карты, фахверк, линии маршрутов, контуры одежды, упавшей на пол и т. д.
Новая серия работ Стоговой «Посвящение» — размышления художницы о судьбе и случае. Палки, собранные в волжском пейзаже, брошены на древесную пластину и обведены. Получившиеся контуры, подобно языческим гаданиям, образовали рисунок, который художница заполняет, комбинируя, но не смешивая цвета зеленый, охристый, белый и черный, каждый раз по-своему интерпретируя результат.
Посвящение — 6
2020
оргалит, масло
100×36,5 см
Эстимейт: 55 000 ₽
Оксана Стогова — художница, окончила Куйбышевское художественное училище, основатель школы современного искусства Quadro, участник многочисленных выставок в России и Европе.
Большую роль в ее работах играет алеаторика: принцип создания работ, основанный на случайности и заимствовании образов из хаоса реального мира. Сфера интересов Стоговой — сфера абстрактного, язык цветов, форм и фактур, рассеянных в повседневности: географические карты, фахверк, линии маршрутов, контуры одежды, упавшей на пол и т. д.
Новая серия работ Стоговой «Посвящение» — размышления художницы о судьбе и случае. Палки, собранные в волжском пейзаже, брошены на древесную пластину и обведены. Получившиеся контуры, подобно языческим гаданиям, образовали рисунок, который художница заполняет, комбинируя, но не смешивая цвета зеленый, охристый, белый и черный, каждый раз по-своему интерпретируя результат.
18. Оксана Стогова
Посвящение — 6
2020
картон, масло
100×36,5 см
Эстимейт: 55 000 ₽
Оксана Стогова — художница, окончила Куйбышевское художественное училище, основатель школы современного искусства Quadro, участник многочисленных выставок в России и Европе.
Большую роль в ее работах играет алеаторика: принцип создания работ, основанный на случайности и заимствовании образов из хаоса реального мира. Сфера интересов Стоговой — сфера абстрактного, язык цветов, форм и фактур, рассеянных в повседневности: географические карты, фахверк, линии маршрутов, контуры одежды, упавшей на пол и т. д.
Новая серия работ Стоговой «Посвящение» — размышления художницы о судьбе и случае. Палки, собранные в волжском пейзаже, брошены на древесную пластину и обведены. Получившиеся контуры, подобно языческим гаданиям, образовали рисунок, который художница заполняет, комбинируя, но не смешивая цвета зеленый, охристый, белый и черный, каждый раз по-своему интерпретируя результат.
Посвящение — 6
2020
картон, масло
100×36,5 см
Эстимейт: 55 000 ₽
Оксана Стогова — художница, окончила Куйбышевское художественное училище, основатель школы современного искусства Quadro, участник многочисленных выставок в России и Европе.
Большую роль в ее работах играет алеаторика: принцип создания работ, основанный на случайности и заимствовании образов из хаоса реального мира. Сфера интересов Стоговой — сфера абстрактного, язык цветов, форм и фактур, рассеянных в повседневности: географические карты, фахверк, линии маршрутов, контуры одежды, упавшей на пол и т. д.
Новая серия работ Стоговой «Посвящение» — размышления художницы о судьбе и случае. Палки, собранные в волжском пейзаже, брошены на древесную пластину и обведены. Получившиеся контуры, подобно языческим гаданиям, образовали рисунок, который художница заполняет, комбинируя, но не смешивая цвета зеленый, охристый, белый и черный, каждый раз по-своему интерпретируя результат.
19. Александр Филимонов
Голова
2022
кафельная плитка, фанера, маркер
68×45 см
Эстимейт: 66 000 ₽
Александр Филимонов — художник, архитектор, окончил Самарскую архитектурно-строительную академию, лауреат различных архитектурных конкурсов в России и зарубежом, участник выставок в Москве, Санкт-Петербурге, Нижнем Новогороде, Перми.
Виртуозно работая с самыми различными материалами: деревом, гипсом, пенопластом, землей, прожогами на бумаге, и др., — Филимонов создает объекты, иронично обыгрывающие современные фетиши и архетипы прошлого. Ему также свойственна остроумная работа с текстами и лозунгами, каламбурное переворачивание серьезности нашей жизни.
«Голова» — мастерски сделанная мозаика, в которой классический контур головы наполнен «говорящими» фамилиями. Представляющиеся абстрактными, официальными родовые имена людей вдруг обретают свое место на человеческой голове, возвращаясь к своим истокам, как бы обретая плоть и кровь, из которой слеплена эта голова смешного пра-человека.
Голова
2022
кафельная плитка, фанера, маркер
68×45 см
Эстимейт: 66 000 ₽
Александр Филимонов — художник, архитектор, окончил Самарскую архитектурно-строительную академию, лауреат различных архитектурных конкурсов в России и зарубежом, участник выставок в Москве, Санкт-Петербурге, Нижнем Новогороде, Перми.
Виртуозно работая с самыми различными материалами: деревом, гипсом, пенопластом, землей, прожогами на бумаге, и др., — Филимонов создает объекты, иронично обыгрывающие современные фетиши и архетипы прошлого. Ему также свойственна остроумная работа с текстами и лозунгами, каламбурное переворачивание серьезности нашей жизни.
«Голова» — мастерски сделанная мозаика, в которой классический контур головы наполнен «говорящими» фамилиями. Представляющиеся абстрактными, официальными родовые имена людей вдруг обретают свое место на человеческой голове, возвращаясь к своим истокам, как бы обретая плоть и кровь, из которой слеплена эта голова смешного пра-человека.
20. Леонид Шерешевский
Ностальгия
2012
керамика, терракота
31×33×13 см
Эстимейт: 50 000 ₽
Леонид Шерешевский (1948−2023) — керамист, график и скульптор, преподаватель, окончил Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им. В. И. Мухиной, участник международных художественных акций и выставок, в числе которых международные выставки керамики в Фаэнце (Италия — 1981, 1982, 1984), выставка советской керамики в Вестервальде (Германия, 1984), выставка в Штутгарте (Германия, 1996), а также Международный симпозиум по парковой скульптуре в Ташкенте в 1991 году. Лауреат Губернской премии в области культуры и искусства в номинации «Изобразительное искусство» (2003). Работы Шерешевского находятся в собраниях Самарского художественного музея, Музея прикладного искусства Государственной художественно-промышленной академии им. А. Л. Штиглица (СПб), в частных и корпоративных коллекциях в России и других странах.
Многие скульптуры Шерешевского являются сборными, представляют собой композицию из отдельных частей, вместе создающих единый образ. Вдумчивый, проницательный взгляд на мир, сдабривается в его работах шутливым, игровым воплощением. Одной из постоянных тем художника является мотив дома, архитектуры, города как среды, в которой пересекаются искусство и память, личная и социальная жизни. Среди его «героев» самарские и петербургские дворики, храмы и ветхие дома с деревянными лестницами. В последние годы одним из его лирических героев стал мигрант-изгнанник, несущий на себе свой дом и свой город, как бремя и как надежду.
Скульптурная композиция «Ностальгия» состоит из четырех элементов, вставляющихся друг в друга, подобно частям срубового дома. Бархатная глина придает образу теплоту вынутого из печи хлеба, отсылает к красным кирпичам старой Самары, напоминает о библейской истории сотворения человека.
Ностальгия
2012
керамика, терракота
31×33×13 см
Эстимейт: 50 000 ₽
Леонид Шерешевский (1948−2023) — керамист, график и скульптор, преподаватель, окончил Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им. В. И. Мухиной, участник международных художественных акций и выставок, в числе которых международные выставки керамики в Фаэнце (Италия — 1981, 1982, 1984), выставка советской керамики в Вестервальде (Германия, 1984), выставка в Штутгарте (Германия, 1996), а также Международный симпозиум по парковой скульптуре в Ташкенте в 1991 году. Лауреат Губернской премии в области культуры и искусства в номинации «Изобразительное искусство» (2003). Работы Шерешевского находятся в собраниях Самарского художественного музея, Музея прикладного искусства Государственной художественно-промышленной академии им. А. Л. Штиглица (СПб), в частных и корпоративных коллекциях в России и других странах.
Многие скульптуры Шерешевского являются сборными, представляют собой композицию из отдельных частей, вместе создающих единый образ. Вдумчивый, проницательный взгляд на мир, сдабривается в его работах шутливым, игровым воплощением. Одной из постоянных тем художника является мотив дома, архитектуры, города как среды, в которой пересекаются искусство и память, личная и социальная жизни. Среди его «героев» самарские и петербургские дворики, храмы и ветхие дома с деревянными лестницами. В последние годы одним из его лирических героев стал мигрант-изгнанник, несущий на себе свой дом и свой город, как бремя и как надежду.
Скульптурная композиция «Ностальгия» состоит из четырех элементов, вставляющихся друг в друга, подобно частям срубового дома. Бархатная глина придает образу теплоту вынутого из печи хлеба, отсылает к красным кирпичам старой Самары, напоминает о библейской истории сотворения человека.
20. Леонид Шерешевский
Ностальгия
2012
керамика, терракота
31×33×13 см
Эстимейт: 50 000 ₽
Леонид Шерешевский (1948−2023) — керамист, график и скульптор, преподаватель, окончил Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им. В. И. Мухиной, участник международных художественных акций и выставок, в числе которых международные выставки керамики в Фаэнце (Италия — 1981, 1982, 1984), выставка советской керамики в Вестервальде (Германия, 1984), выставка в Штутгарте (Германия, 1996), а также Международный симпозиум по парковой скульптуре в Ташкенте в 1991 году. Лауреат Губернской премии в области культуры и искусства в номинации «Изобразительное искусство» (2003). Работы Шерешевского находятся в собраниях Самарского художественного музея, Музея прикладного искусства Государственной художественно-промышленной академии им. А. Л. Штиглица (СПб), в частных и корпоративных коллекциях в России и других странах.
Многие скульптуры Шерешевского являются сборными, представляют собой композицию из отдельных частей, вместе создающих единый образ. Вдумчивый, проницательный взгляд на мир, сдабривается в его работах шутливым, игровым воплощением. Одной из постоянных тем художника является мотив дома, архитектуры, города как среды, в которой пересекаются искусство и память, личная и социальная жизни. Среди его «героев» самарские и петербургские дворики, храмы и ветхие дома с деревянными лестницами. В последние годы одним из его лирических героев стал мигрант-изгнанник, несущий на себе свой дом и свой город, как бремя и как надежду.
Скульптурная композиция «Ностальгия» состоит из четырех элементов, вставляющихся друг в друга, подобно частям срубового дома. Бархатная глина придает образу теплоту вынутого из печи хлеба, отсылает к красным кирпичам старой Самары, напоминает о библейской истории сотворения человека.
Ностальгия
2012
керамика, терракота
31×33×13 см
Эстимейт: 50 000 ₽
Леонид Шерешевский (1948−2023) — керамист, график и скульптор, преподаватель, окончил Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им. В. И. Мухиной, участник международных художественных акций и выставок, в числе которых международные выставки керамики в Фаэнце (Италия — 1981, 1982, 1984), выставка советской керамики в Вестервальде (Германия, 1984), выставка в Штутгарте (Германия, 1996), а также Международный симпозиум по парковой скульптуре в Ташкенте в 1991 году. Лауреат Губернской премии в области культуры и искусства в номинации «Изобразительное искусство» (2003). Работы Шерешевского находятся в собраниях Самарского художественного музея, Музея прикладного искусства Государственной художественно-промышленной академии им. А. Л. Штиглица (СПб), в частных и корпоративных коллекциях в России и других странах.
Многие скульптуры Шерешевского являются сборными, представляют собой композицию из отдельных частей, вместе создающих единый образ. Вдумчивый, проницательный взгляд на мир, сдабривается в его работах шутливым, игровым воплощением. Одной из постоянных тем художника является мотив дома, архитектуры, города как среды, в которой пересекаются искусство и память, личная и социальная жизни. Среди его «героев» самарские и петербургские дворики, храмы и ветхие дома с деревянными лестницами. В последние годы одним из его лирических героев стал мигрант-изгнанник, несущий на себе свой дом и свой город, как бремя и как надежду.
Скульптурная композиция «Ностальгия» состоит из четырех элементов, вставляющихся друг в друга, подобно частям срубового дома. Бархатная глина придает образу теплоту вынутого из печи хлеба, отсылает к красным кирпичам старой Самары, напоминает о библейской истории сотворения человека.