Осенний аукцион современного искусства в Самаре
Осенний аукцион современного искусства в Самаре
Осенний аукцион современного искусства в Самаре
Приглашаем Вас стать участником 5-го Осеннего аукциона современного искусства в Самаре.
Самарское искусство уже давно не ограничено локальным контекстом.
Произведения художников Самары можно встретить и на международных биеннале, и в Государственной Третьяковской галерее, и на престижных ярмарках. Осенний аукцион современного искусства в Самаре дает уникальную возможность увидеть произведения знакомых авторов разных поколений: Дины Богусоновой, Леонида Шерешевского, Андрея Сяйлева и Яны Арбузовой в соседстве с их друзьями и коллегами, в контексте художественной сцены города.
Осенний аукцион призван поддержать самарских художников, осветить искусство региона, создать почву для его коллекционирования.
Всего на аукционе будет представлено 15 лотов.
Вход по пригласительным
Самарское искусство уже давно не ограничено локальным контекстом.
Произведения художников Самары можно встретить и на международных биеннале, и в Государственной Третьяковской галерее, и на престижных ярмарках. Осенний аукцион современного искусства в Самаре дает уникальную возможность увидеть произведения знакомых авторов разных поколений: Дины Богусоновой, Леонида Шерешевского, Андрея Сяйлева и Яны Арбузовой в соседстве с их друзьями и коллегами, в контексте художественной сцены города.
Осенний аукцион призван поддержать самарских художников, осветить искусство региона, создать почву для его коллекционирования.
Всего на аукционе будет представлено 15 лотов.
Вход по пригласительным
Аукцион состоится
27 ноября
27 ноября
18:30 Сбор гостей
19:00 Начало аукциона
Если вы не сможете присутствовать лично, но желаете следить за торгами и участвовать в них онлайн или сделать ставку заранее, свяжитесь с куратором аукциона Сергеем Баландиным по номеру +7(996)342-80-40 (размещение прямых ссылок на мессенджеры)
Место проведения:
Ресторан ALFRED, Кухмистерская Альфреда фон Вакано
ул. Красноармейская, д.4
19:00 Начало аукциона
Если вы не сможете присутствовать лично, но желаете следить за торгами и участвовать в них онлайн или сделать ставку заранее, свяжитесь с куратором аукциона Сергеем Баландиным по номеру +7(996)342-80-40 (размещение прямых ссылок на мессенджеры)
Место проведения:
Ресторан ALFRED, Кухмистерская Альфреда фон Вакано
ул. Красноармейская, д.4
Организаторы аукциона
Партнеры аукциона
О месте
проведения
проведения
Здание Кухмистерской с уникальной для Самары архитектурой построили в 1903 году по заказу купца и пивовара австрийского происхождения Альфреда Фон Вакано в стиле немецкого барокко.
В начале 20-го века оно было одно из самых дорогих в Самаре.
В дореволюционное время здесь часто собирались рабочие и устраивали неформальные собрания. Местные краеведы утверждают, что кухмистерскую посещал сам Владимир Ульянов (Ленин), который в то время служил в самарском суде.
Кухмистерская проработала 15 лет до начала гражданской войны.
В 1919 году советская власть забрала здание в свое пользование. В разное время здесь размещали военный склад, архив, вычислительный центр, различные конторы, Союз художников.
С 2015 начались работы по воссозданию исторического облика Кухмистерской. Реставрация происходила на протяжении нескольких лет с соблюдением всех необходимых норм. Многие архитектурные элементы, которые были разрушены или утрачены со временем, удастся восстановить по чертежам, фотографиям и первоначальным технологиям.
В 2021 году Кухмистерская заработала вновь с современной гастрономией и традициями австрийской кухни.
В начале 20-го века оно было одно из самых дорогих в Самаре.
В дореволюционное время здесь часто собирались рабочие и устраивали неформальные собрания. Местные краеведы утверждают, что кухмистерскую посещал сам Владимир Ульянов (Ленин), который в то время служил в самарском суде.
Кухмистерская проработала 15 лет до начала гражданской войны.
В 1919 году советская власть забрала здание в свое пользование. В разное время здесь размещали военный склад, архив, вычислительный центр, различные конторы, Союз художников.
С 2015 начались работы по воссозданию исторического облика Кухмистерской. Реставрация происходила на протяжении нескольких лет с соблюдением всех необходимых норм. Многие архитектурные элементы, которые были разрушены или утрачены со временем, удастся восстановить по чертежам, фотографиям и первоначальным технологиям.
В 2021 году Кухмистерская заработала вновь с современной гастрономией и традициями австрийской кухни.
Лоты
1. Дина Терентьева
Путь
2023
шамот, дровяной обжиг
31,6×33×26 см
Эстимейт: 25 000 ₽
Дина Терентьева (1977 г.р.) – художник-керамист, училась в Самарском государственном архитектурно-строительном университете, а также у мастеров керамики Москвы, Санкт-Петербурга, Ярославля, основатель собственной школы керамики. Участница выставок в «Галерее на Каширке» и Музее-заповеднике Царицыно в Москве.
Художница использует редкой техникой дровяного обжига, играет с фактурой, цветом глазури, создавая работы, вызывающие также яркие осязательные ощущения. Ее скульптуры подражают живым природным формам, подразумевая диалог со зрителем и с окружающей средой, гармонично растворяясь в ней.
Скульптура «Путь» имеет форму яйца, символа жизни, но также создает образ планеты, жители которой будто столпились у входа в укрытие или подземный храм. О своей работе она говорит: «Вопрос так и остаётся открытым: люди выходят или уходят. А, может быть, внутри яйца лента Мёбиуса и люди уходят и выходят одновременно». Произведение, посвящено вечному движению жизни, смене вех в жизни каждого человека и мира, когда есть время сна и время пробуждения.
Путь
2023
шамот, дровяной обжиг
31,6×33×26 см
Эстимейт: 25 000 ₽
Дина Терентьева (1977 г.р.) – художник-керамист, училась в Самарском государственном архитектурно-строительном университете, а также у мастеров керамики Москвы, Санкт-Петербурга, Ярославля, основатель собственной школы керамики. Участница выставок в «Галерее на Каширке» и Музее-заповеднике Царицыно в Москве.
Художница использует редкой техникой дровяного обжига, играет с фактурой, цветом глазури, создавая работы, вызывающие также яркие осязательные ощущения. Ее скульптуры подражают живым природным формам, подразумевая диалог со зрителем и с окружающей средой, гармонично растворяясь в ней.
Скульптура «Путь» имеет форму яйца, символа жизни, но также создает образ планеты, жители которой будто столпились у входа в укрытие или подземный храм. О своей работе она говорит: «Вопрос так и остаётся открытым: люди выходят или уходят. А, может быть, внутри яйца лента Мёбиуса и люди уходят и выходят одновременно». Произведение, посвящено вечному движению жизни, смене вех в жизни каждого человека и мира, когда есть время сна и время пробуждения.
2. Марина Нико
Лабиринт I
2024
холст, масло
60×50 см
Эстимейт: 40 000 ₽
Марина Нико (1986 г.р.) – самарская художница, выпускница Самарского художественное училища имени К.С. Петрова-Водкина и галерист. В разные годы сотрудничала с самыми разными зарубежными и российскими галереями, включая московские ART&BRUT и a-s-t-r-a, параллельно развивая свою собственную площадку в Самаре – SPACE13.
Ее стиль подкупает своей детализированной гиперреалистичностью и виртуозным воспроизведением современных визуальных эффектов (хроматическая аберрация, глитчи, кислотные цвета). Она прямолинейно говорит о современности, посвящая свои серии человеку в самоизоляции или погруженному в виртуальный мир гаджетов. Многие ее работы автобиографичны, ведь героями становятся она сама, ее сын, ближайшие друзья, а параллельной темой - межличностные отношения.
Работа «Лабиринт I» изображает кошку, сидящую в ванной обычной хрущевки. Но повседневный сюжет приобретает мистический оттенок благодаря эффекту фотоспышки, которая схватила эту сцену. Кошка, чей взгляд словно зеркало отражает слепящий свет, в ответ ослепляя смотрящего, становится маленьким египетским божком дома, пушистым и потусторонним.
Лабиринт I
2024
холст, масло
60×50 см
Эстимейт: 40 000 ₽
Марина Нико (1986 г.р.) – самарская художница, выпускница Самарского художественное училища имени К.С. Петрова-Водкина и галерист. В разные годы сотрудничала с самыми разными зарубежными и российскими галереями, включая московские ART&BRUT и a-s-t-r-a, параллельно развивая свою собственную площадку в Самаре – SPACE13.
Ее стиль подкупает своей детализированной гиперреалистичностью и виртуозным воспроизведением современных визуальных эффектов (хроматическая аберрация, глитчи, кислотные цвета). Она прямолинейно говорит о современности, посвящая свои серии человеку в самоизоляции или погруженному в виртуальный мир гаджетов. Многие ее работы автобиографичны, ведь героями становятся она сама, ее сын, ближайшие друзья, а параллельной темой - межличностные отношения.
Работа «Лабиринт I» изображает кошку, сидящую в ванной обычной хрущевки. Но повседневный сюжет приобретает мистический оттенок благодаря эффекту фотоспышки, которая схватила эту сцену. Кошка, чей взгляд словно зеркало отражает слепящий свет, в ответ ослепляя смотрящего, становится маленьким египетским божком дома, пушистым и потусторонним.
2. Марина Нико
Лабиринт I
2024
холст, масло
60×50 см
Эстимейт: 40 000 ₽
Марина Нико (1986 г.р.) – самарская художница, выпускница Самарского художественное училища имени К.С. Петрова-Водкина и галереист. В разные годы сотрудничала с самыми разными зарубежными и российскими галереями, включая московские ART&BRUT и a-s-t-r-a, параллельно развивая свою собственную площадку в Самаре – SPACE13.
Ее стиль подкупает своей детализированной гиперреалистичностью и виртуозным воспроизведением современных визуальных эффектов (хроматическая аберрация, глитчи, кислотные цвета). Она прямолинейно говорит о современности, посвящая свои серии человеку в самоизоляции или погруженному в виртуальный мир гаджетов. Многие ее работы автобиографичны, ведь героями становятся она сама, ее сын, ближайшие друзья, а параллельной темой - межличностные отношения.
Работа «Лабиринт I» изображает кошку, сидящую в ванной обычной хрущевки. Но повседневный сюжет приобретает мистический оттенок благодаря эффекту фотоспышки, которая схватила эту сцену. Кошка, чей взгляд словно зеркало отражает слепящий свет, в ответ ослепляя смотрящего, становится маленьким египетским божком дома, пушистым и потусторонним.
Лабиринт I
2024
холст, масло
60×50 см
Эстимейт: 40 000 ₽
Марина Нико (1986 г.р.) – самарская художница, выпускница Самарского художественное училища имени К.С. Петрова-Водкина и галереист. В разные годы сотрудничала с самыми разными зарубежными и российскими галереями, включая московские ART&BRUT и a-s-t-r-a, параллельно развивая свою собственную площадку в Самаре – SPACE13.
Ее стиль подкупает своей детализированной гиперреалистичностью и виртуозным воспроизведением современных визуальных эффектов (хроматическая аберрация, глитчи, кислотные цвета). Она прямолинейно говорит о современности, посвящая свои серии человеку в самоизоляции или погруженному в виртуальный мир гаджетов. Многие ее работы автобиографичны, ведь героями становятся она сама, ее сын, ближайшие друзья, а параллельной темой - межличностные отношения.
Работа «Лабиринт I» изображает кошку, сидящую в ванной обычной хрущевки. Но повседневный сюжет приобретает мистический оттенок благодаря эффекту фотоспышки, которая схватила эту сцену. Кошка, чей взгляд словно зеркало отражает слепящий свет, в ответ ослепляя смотрящего, становится маленьким египетским божком дома, пушистым и потусторонним.
3. Яна Арбузова
Путы I
2024
холст, масло,
105х85 см
Эстимейт: 125 000 ₽
Яна Арбузова (1997 г.р.) — молодая самарская художница, иллюстратор, выпускница Самарского художественного училища им. К.С. Петрова-Водкина. Участница выставок в Самаре, Москве, Петербурге, Димитровграде, Уфе и Оренбурге. В этом году ее персональные выставки прошли в Музее модерна и Музее-галерее «Заварка», а картины раскупались в Москве на blazar-2023 и Cosmoscow-2024.
Она стала известна натюрмортами с узнаваемыми приметами самарского отдыха — бутылками пива. Но ее темой является совсем не волжский гедонизм, а вещи, окружающие человека: баклашки и полиэтиленовые пакеты, пластиковые упаковки. Эти приметы современной жизни она часто комбинирует с живыми цветами, или посудой из бабушкиного серванта. В своих работах она размышляет о современном обществе потребления, об экологии, о краткости жизни и наследии. А прекрасная классическая техника дает ее работам дополнительную привлекательность.
В работе «Путы I» на чистом голубоватом фоне художница изображает разбитый бокал, помещая на месте отсутствующей чаши раковину и опутывая композицию гнутой проволокой. Хрупкость тонкого стекла соседствует здесь с графичностью грубого металла, равного ей по тонкости, и переливающимся перламутром природного объекта. Чужеродные предметы вдруг образуют гармоничный ансамбль, как бы иллюстрируя парадоксальное единство искусства, индустрии и природы.
Путы I
2024
холст, масло,
105х85 см
Эстимейт: 125 000 ₽
Яна Арбузова (1997 г.р.) — молодая самарская художница, иллюстратор, выпускница Самарского художественного училища им. К.С. Петрова-Водкина. Участница выставок в Самаре, Москве, Петербурге, Димитровграде, Уфе и Оренбурге. В этом году ее персональные выставки прошли в Музее модерна и Музее-галерее «Заварка», а картины раскупались в Москве на blazar-2023 и Cosmoscow-2024.
Она стала известна натюрмортами с узнаваемыми приметами самарского отдыха — бутылками пива. Но ее темой является совсем не волжский гедонизм, а вещи, окружающие человека: баклашки и полиэтиленовые пакеты, пластиковые упаковки. Эти приметы современной жизни она часто комбинирует с живыми цветами, или посудой из бабушкиного серванта. В своих работах она размышляет о современном обществе потребления, об экологии, о краткости жизни и наследии. А прекрасная классическая техника дает ее работам дополнительную привлекательность.
В работе «Путы I» на чистом голубоватом фоне художница изображает разбитый бокал, помещая на месте отсутствующей чаши раковину и опутывая композицию гнутой проволокой. Хрупкость тонкого стекла соседствует здесь с графичностью грубого металла, равного ей по тонкости, и переливающимся перламутром природного объекта. Чужеродные предметы вдруг образуют гармоничный ансамбль, как бы иллюстрируя парадоксальное единство искусства, индустрии и природы.
4. Дина Богусонова
Весение токи
2024
масло, холст
110×120 см
Эстимейт: 80 000 ₽
Дина Богусонова (1972 г.р.) — самарский живописец и эмальер, выпускница Самарского художественного училища им. К.С. Петрова-Водкина, постоянная участница проектов музея «Эрарта» (Санкт-Петербург), а также многих выставок, в том числе в Лондоне, Нью-Йорке, Гонконге. В 2022 в Самаре состоялась ее большая ретроспектива в галерее «Новое пространство» и большая выставка эмалей в Самарском художественном музее, а в декабре – откроется в Тольяттинском.
Основными сюжетами ее живописи являются пейзажи и цветы, образующие потоки, соединяющиеся в текучие структуры.
Ей свойственна легкость, воздушность, прозрачность красок и широкий мазок, создающий стихийное движение в картине.
«Весенние токи» – особенное полотно, в котором цветочно-цветущие струи группируются в динамическую композицию, словно эмоциональные взмахи широкой кистью. Жестовое начало этой картины напоминает о французской школе абстракции Пьера Сулажа и Ханса Хартунга. Но если европейские мастера обычно наносили такие экспрессивные полосы монохромно, то Богусонова разливает их всеми цветами майского луга, смешанного с прозрачностью неба.
Весение токи
2024
масло, холст
110×120 см
Эстимейт: 80 000 ₽
Дина Богусонова (1972 г.р.) — самарский живописец и эмальер, выпускница Самарского художественного училища им. К.С. Петрова-Водкина, постоянная участница проектов музея «Эрарта» (Санкт-Петербург), а также многих выставок, в том числе в Лондоне, Нью-Йорке, Гонконге. В 2022 в Самаре состоялась ее большая ретроспектива в галерее «Новое пространство» и большая выставка эмалей в Самарском художественном музее, а в декабре – откроется в Тольяттинском.
Основными сюжетами ее живописи являются пейзажи и цветы, образующие потоки, соединяющиеся в текучие структуры.
Ей свойственна легкость, воздушность, прозрачность красок и широкий мазок, создающий стихийное движение в картине.
«Весенние токи» – особенное полотно, в котором цветочно-цветущие струи группируются в динамическую композицию, словно эмоциональные взмахи широкой кистью. Жестовое начало этой картины напоминает о французской школе абстракции Пьера Сулажа и Ханса Хартунга. Но если европейские мастера обычно наносили такие экспрессивные полосы монохромно, то Богусонова разливает их всеми цветами майского луга, смешанного с прозрачностью неба.
4. Дина Богусонова
Весение токи
2024
масло, холст
110×120 см
Эстимейт: 80 000 ₽
Дина Богусонова (1972 г.р.) — самарский живописец и эмальер, выпускница Самарского художественного училища им. К.С. Петрова-Водкина, постоянная участница проектов музея «Эрарта» (Санкт-Петербург), а также многих выставок, в том числе в Лондоне, Нью-Йорке, Гонконге. В 2022 в Самаре состоялась ее большая ретроспектива в галерее «Новое пространство» и большая выставка эмалей в Самарском художественном музее, а в декабре – откроется в Тольяттинском.
Основными сюжетами ее живописи являются пейзажи и цветы, образующие потоки, соединяющиеся в текучие структуры.
Ей свойственна легкость, воздушность, прозрачность красок и широкий мазок, создающий стихийное движение в картине.
«Весенние токи» – особенное полотно, в котором цветочно-цветущие струи группируются в динамическую композицию, словно эмоциональные взмахи широкой кистью. Жестовое начало этой картины напоминает о французской школе абстракции Пьера Сулажа и Ханса Хартунга. Но если европейские мастера обычно наносили такие экспрессивные полосы монохромно, то Богусонова разливает их всеми цветами майского луга, смешанного с прозрачностью неба.
Весение токи
2024
масло, холст
110×120 см
Эстимейт: 80 000 ₽
Дина Богусонова (1972 г.р.) — самарский живописец и эмальер, выпускница Самарского художественного училища им. К.С. Петрова-Водкина, постоянная участница проектов музея «Эрарта» (Санкт-Петербург), а также многих выставок, в том числе в Лондоне, Нью-Йорке, Гонконге. В 2022 в Самаре состоялась ее большая ретроспектива в галерее «Новое пространство» и большая выставка эмалей в Самарском художественном музее, а в декабре – откроется в Тольяттинском.
Основными сюжетами ее живописи являются пейзажи и цветы, образующие потоки, соединяющиеся в текучие структуры.
Ей свойственна легкость, воздушность, прозрачность красок и широкий мазок, создающий стихийное движение в картине.
«Весенние токи» – особенное полотно, в котором цветочно-цветущие струи группируются в динамическую композицию, словно эмоциональные взмахи широкой кистью. Жестовое начало этой картины напоминает о французской школе абстракции Пьера Сулажа и Ханса Хартунга. Но если европейские мастера обычно наносили такие экспрессивные полосы монохромно, то Богусонова разливает их всеми цветами майского луга, смешанного с прозрачностью неба.
5. Дмитрий Гилен
Из серии “Sharp-Tongued"
2024
латунь с эпоксидными смолами, алюминий, дерево, сталь, акрил, лак
100×100 см
Эстимейт: 110 000 ₽
Дмитрий Гилен (1992 г.р.) – санкт-петербургский художник с самарскими корнями, финалист конкурса молодых художников NovaArt (2019). В 2016 он стал победителем конкурса «Взлет», создав инсталляцию в самолете ЯК-42 на ВДНХ. В 2021 его персональная выставка прошла в галерее «Виктория», а в 2022 в московской галерее ISSIMAG. В этом году весь стенд Дмитрия Гилена был раскуплен на ярмарке молодого искусства blazar, а среди покупателей была компания Simple Group, активно коллекционирующая современное отечественное искусство.
В работах художника соединяются новые и старые мифологии, технологии, природные и промышленные материалы. Комбинируя природные и промышленные материалы он рассказывает о сложности современного мира, балансирующего между сном и прагматизмом. В его работах бетонные блоки покоятся на надувных подушках, а ветви прорастают сквозь металл.
Работа, название которой можно перевести как «острый на язык» (дословно, «языкастый как акулий плавник»), представляет собой листья из латуни, поднятые в воздух ударом буквы. Перед нами сюрреалистическая сцена взаимодействия природы и текста. Здесь сталкиваются человеческий порядок (шрифт, вентиляционная решетка, квадрат холста) и живые формы листьев, их свободное парение в воздухе, впрочем, грубо зафиксированное на резьбовые шпильки. Это разнообразие фактур при общем стилевом единстве материалов создает впечатляющее произведение волнующее мысль и привлекающее взгляд.
Из серии “Sharp-Tongued"
2024
латунь с эпоксидными смолами, алюминий, дерево, сталь, акрил, лак
100×100 см
Эстимейт: 110 000 ₽
Дмитрий Гилен (1992 г.р.) – санкт-петербургский художник с самарскими корнями, финалист конкурса молодых художников NovaArt (2019). В 2016 он стал победителем конкурса «Взлет», создав инсталляцию в самолете ЯК-42 на ВДНХ. В 2021 его персональная выставка прошла в галерее «Виктория», а в 2022 в московской галерее ISSIMAG. В этом году весь стенд Дмитрия Гилена был раскуплен на ярмарке молодого искусства blazar, а среди покупателей была компания Simple Group, активно коллекционирующая современное отечественное искусство.
В работах художника соединяются новые и старые мифологии, технологии, природные и промышленные материалы. Комбинируя природные и промышленные материалы он рассказывает о сложности современного мира, балансирующего между сном и прагматизмом. В его работах бетонные блоки покоятся на надувных подушках, а ветви прорастают сквозь металл.
Работа, название которой можно перевести как «острый на язык» (дословно, «языкастый как акулий плавник»), представляет собой листья из латуни, поднятые в воздух ударом буквы. Перед нами сюрреалистическая сцена взаимодействия природы и текста. Здесь сталкиваются человеческий порядок (шрифт, вентиляционная решетка, квадрат холста) и живые формы листьев, их свободное парение в воздухе, впрочем, грубо зафиксированное на резьбовые шпильки. Это разнообразие фактур при общем стилевом единстве материалов создает впечатляющее произведение волнующее мысль и привлекающее взгляд.
6. Евгений Греки
Темные ветра #1
2024
бумага, акрил
50×64,5 см
Эстимейт: 45 000 ₽
Евгений Греки (1995 г.р.) – самарский художник с итальянскими корнями, художественное образование получил в Академии изящных искусств Брера в Милане. В России дебютировал в самарском Музее Модерна, также приняв участие в выставках нескольких независимых пространствах в Милане. В этом году все его работы были раскуплены на ярмарке молодого искусства blazar в Москве.
В своих произведениях художник изображает силы и стихии природы в духе алхимического искусства позднего Ренессанса. В работе он использует редкие техники: пишет маслом на медных или деревянных досках, использует эффекты патины, оформляя работы в авторские рамы, покрытые слоями гипса и воска. Он также искусно использует сфумато, мягкую светотень, изобретенную итальянцами в XVI веке, которая словно дымка, обволакивает изображенные предметы,
Рисунок из серии «Темные ветра» – пример тонкого и мистического использования сфумато. Предметом изображения здесь является сам дым, туман, покрывающий всю поверхность листа. Этот дым мешает нам понять, что за пространство перед нами, его глубину и высоту. Никакого пространства нет, есть только клубящийся кучевой дымок, вдруг обретающий лицо, сознание и взгляд, обращенный к нам, словно классический портрет старика в три четверти, или лик языческого бога судьбы.
Темные ветра #1
2024
бумага, акрил
50×64,5 см
Эстимейт: 45 000 ₽
Евгений Греки (1995 г.р.) – самарский художник с итальянскими корнями, художественное образование получил в Академии изящных искусств Брера в Милане. В России дебютировал в самарском Музее Модерна, также приняв участие в выставках нескольких независимых пространствах в Милане. В этом году все его работы были раскуплены на ярмарке молодого искусства blazar в Москве.
В своих произведениях художник изображает силы и стихии природы в духе алхимического искусства позднего Ренессанса. В работе он использует редкие техники: пишет маслом на медных или деревянных досках, использует эффекты патины, оформляя работы в авторские рамы, покрытые слоями гипса и воска. Он также искусно использует сфумато, мягкую светотень, изобретенную итальянцами в XVI веке, которая словно дымка, обволакивает изображенные предметы,
Рисунок из серии «Темные ветра» – пример тонкого и мистического использования сфумато. Предметом изображения здесь является сам дым, туман, покрывающий всю поверхность листа. Этот дым мешает нам понять, что за пространство перед нами, его глубину и высоту. Никакого пространства нет, есть только клубящийся кучевой дымок, вдруг обретающий лицо, сознание и взгляд, обращенный к нам, словно классический портрет старика в три четверти, или лик языческого бога судьбы.
6. Евгений Греки
Темные ветра #1
2024
бумага, акрил
50×64,5 см
Эстимейт: 45 000 ₽
Евгений Греки (1995 г.р.) – самарский художник с итальянскими корнями, художественное образование получил в Академии изящных искусств Брера в Милане. В России дебютировал в самарском Музее Модерна, также приняв участие в выставках нескольких независимых пространствах в Милане. В этом году все его работы были раскуплены на ярмарке молодого искусства blazar в Москве.
В своих произведениях художник изображает силы и стихии природы в духе алхимического искусства позднего Ренессанса. В работе он использует редкие техники: пишет маслом на медных или деревянных досках, использует эффекты патины, оформляя работы в авторские рамы, покрытые слоями гипса и воска. Он также искусно использует сфумато, мягкую светотень, изобретенную итальянцами в XVI веке, которая словно дымка, обволакивает изображенные предметы,
Рисунок из серии «Темные ветра» – пример тонкого и мистического использования сфумато. Предметом изображения здесь является сам дым, туман, покрывающий всю поверхность листа. Этот дым мешает нам понять, что за пространство перед нами, его глубину и высоту. Никакого пространства нет, есть только клубящийся кучевой дымок, вдруг обретающий лицо, сознание и взгляд, обращенный к нам, словно классический портрет старика в три четверти, или лик языческого бога судьбы.
Темные ветра #1
2024
бумага, акрил
50×64,5 см
Эстимейт: 45 000 ₽
Евгений Греки (1995 г.р.) – самарский художник с итальянскими корнями, художественное образование получил в Академии изящных искусств Брера в Милане. В России дебютировал в самарском Музее Модерна, также приняв участие в выставках нескольких независимых пространствах в Милане. В этом году все его работы были раскуплены на ярмарке молодого искусства blazar в Москве.
В своих произведениях художник изображает силы и стихии природы в духе алхимического искусства позднего Ренессанса. В работе он использует редкие техники: пишет маслом на медных или деревянных досках, использует эффекты патины, оформляя работы в авторские рамы, покрытые слоями гипса и воска. Он также искусно использует сфумато, мягкую светотень, изобретенную итальянцами в XVI веке, которая словно дымка, обволакивает изображенные предметы,
Рисунок из серии «Темные ветра» – пример тонкого и мистического использования сфумато. Предметом изображения здесь является сам дым, туман, покрывающий всю поверхность листа. Этот дым мешает нам понять, что за пространство перед нами, его глубину и высоту. Никакого пространства нет, есть только клубящийся кучевой дымок, вдруг обретающий лицо, сознание и взгляд, обращенный к нам, словно классический портрет старика в три четверти, или лик языческого бога судьбы.
7. Мила Гущина
Кокон
2023
вышивка, ткань, мулине
42×38 см
Эстимейт: 35 000 ₽
Мила Гущина (1993 г.р.) – художница, выпускница авторских школ современного искусства «Quadro» и «Самарской школы авангарда». Особое место в ее творчестве занимают акварель и вышивка, которые уже успели сверкнуть на ее персональной выставке в галерее «Виктория» «Зверинец», на ярмарках «Контур» (Нижний Новгород) и blazar (Москва). В настоящее время ее работы представляет московская галерея Grabar Наталии Грабарь, правнучки знаменитого художника и искусствоведа первой половины XX века.
Работы художницы находятся в коллекции директора Музея современного искусства «Гараж» Антона Белова.
Лирические герои ее работ – дерзкие и боязливые – но всегда чутко реагирующие на катастрофы внешнего мира. Герой кокона – не то рождается, не то прячется, не то - выпускает из своего убежища цветки, словно антенны, которыми ловит последние сводки.
Каждой вышивке предшествуют акварельные работы, среди которых художница выбирает те, что будут наиболее удачно смотреться на ткани. Кропотливая работа иглой, обилие стежков делают ее произведения эмоционально насыщенными и почти телесными.
Кокон
2023
вышивка, ткань, мулине
42×38 см
Эстимейт: 35 000 ₽
Мила Гущина (1993 г.р.) – художница, выпускница авторских школ современного искусства «Quadro» и «Самарской школы авангарда». Особое место в ее творчестве занимают акварель и вышивка, которые уже успели сверкнуть на ее персональной выставке в галерее «Виктория» «Зверинец», на ярмарках «Контур» (Нижний Новгород) и blazar (Москва). В настоящее время ее работы представляет московская галерея Grabar Наталии Грабарь, правнучки знаменитого художника и искусствоведа первой половины XX века.
Работы художницы находятся в коллекции директора Музея современного искусства «Гараж» Антона Белова.
Лирические герои ее работ – дерзкие и боязливые – но всегда чутко реагирующие на катастрофы внешнего мира. Герой кокона – не то рождается, не то прячется, не то - выпускает из своего убежища цветки, словно антенны, которыми ловит последние сводки.
Каждой вышивке предшествуют акварельные работы, среди которых художница выбирает те, что будут наиболее удачно смотреться на ткани. Кропотливая работа иглой, обилие стежков делают ее произведения эмоционально насыщенными и почти телесными.
8. Иван Гудзловенко
Рушник
2022
флизелин, акварель
70×110 см
Эстимейт: 32 000 ₽
Иван Гудзловенко (1977-2022) – художник из Чапаевска, закончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина. Долгое время оставаясь в поле живописных экспериментов, только в 2022 году начал принимать участие в выставках и до своей трагической гибели показал работы в Самаре, Казани и Москве.
Ивану Гудзловенко свойственна экспрессивная, сюрреалистическая манера, в которой соединяется импульсивность, случайность и яркая образность, юмор и исторические аллюзии. Где-то почти карикатурный, где-то невероятно нежный, всегда интуитивный, он всегда остается верен цвету как главному носителю смысла его работ.
«Рушник» – произведение, напоминающее о первозданном мире добра. Деревенское и народное становятся символами мира до грехопадения. Союз двух рук, нежным жестом укрывающих цветок, рифмуется со стилизованной дугой радуги, а фигуры человечков в цветке и над ним, словно отсылают к сказкам, где герои рождаются из цветов. Чьи бы ни были руки перед нами: добрых великанов или Адама и Евы из народных апокрифов, произведение ясно пронизано ощущениями надежды, дружбы и любви.
Рушник
2022
флизелин, акварель
70×110 см
Эстимейт: 32 000 ₽
Иван Гудзловенко (1977-2022) – художник из Чапаевска, закончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина. Долгое время оставаясь в поле живописных экспериментов, только в 2022 году начал принимать участие в выставках и до своей трагической гибели показал работы в Самаре, Казани и Москве.
Ивану Гудзловенко свойственна экспрессивная, сюрреалистическая манера, в которой соединяется импульсивность, случайность и яркая образность, юмор и исторические аллюзии. Где-то почти карикатурный, где-то невероятно нежный, всегда интуитивный, он всегда остается верен цвету как главному носителю смысла его работ.
«Рушник» – произведение, напоминающее о первозданном мире добра. Деревенское и народное становятся символами мира до грехопадения. Союз двух рук, нежным жестом укрывающих цветок, рифмуется со стилизованной дугой радуги, а фигуры человечков в цветке и над ним, словно отсылают к сказкам, где герои рождаются из цветов. Чьи бы ни были руки перед нами: добрых великанов или Адама и Евы из народных апокрифов, произведение ясно пронизано ощущениями надежды, дружбы и любви.
8. Иван Гудзловенко
Рушник
2022
флизелин, акварель
70×110 см
Эстимейт: 32 000 ₽
Иван Гудзловенко (1977-2022) – художник из Чапаевска, закончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина. Долгое время оставаясь в поле живописных экспериментов, только в 2022 году начал принимать участие в выставках и до своей трагической гибели показал работы в Самаре, Казани и Москве.
Ивану Гудзловенко свойственна экспрессивная, сюрреалистическая манера, в которой соединяется импульсивность, случайность и яркая образность, юмор и исторические аллюзии. Где-то почти карикатурный, где-то невероятно нежный, всегда интуитивный, он всегда остается верен цвету как главному носителю смысла его работ.
«Рушник» – произведение, напоминающее о первозданном мире добра. Деревенское и народное становятся символами мира до грехопадения. Союз двух рук, нежным жестом укрывающих цветок, рифмуется со стилизованной дугой радуги, а фигуры человечков в цветке и над ним, словно отсылают к сказкам, где герои рождаются из цветов. Чьи бы ни были руки перед нами: добрых великанов или Адама и Евы из народных апокрифов, произведение ясно пронизано ощущениями надежды, дружбы и любви.
Рушник
2022
флизелин, акварель
70×110 см
Эстимейт: 32 000 ₽
Иван Гудзловенко (1977-2022) – художник из Чапаевска, закончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина. Долгое время оставаясь в поле живописных экспериментов, только в 2022 году начал принимать участие в выставках и до своей трагической гибели показал работы в Самаре, Казани и Москве.
Ивану Гудзловенко свойственна экспрессивная, сюрреалистическая манера, в которой соединяется импульсивность, случайность и яркая образность, юмор и исторические аллюзии. Где-то почти карикатурный, где-то невероятно нежный, всегда интуитивный, он всегда остается верен цвету как главному носителю смысла его работ.
«Рушник» – произведение, напоминающее о первозданном мире добра. Деревенское и народное становятся символами мира до грехопадения. Союз двух рук, нежным жестом укрывающих цветок, рифмуется со стилизованной дугой радуги, а фигуры человечков в цветке и над ним, словно отсылают к сказкам, где герои рождаются из цветов. Чьи бы ни были руки перед нами: добрых великанов или Адама и Евы из народных апокрифов, произведение ясно пронизано ощущениями надежды, дружбы и любви.
9. Анастасия Деревякина
Клык
2024
холст, темпера
40×50 см
Эстимейт: 17 000 ₽
Анастасия Деревякина — (2000 г.р.) молодая самарская художница, выпускница Самарского художественного училища им. К.С. Петрова-Водкина и Свободных мастерских при Московском музее современного искусства, участница кочующей выставки «Архипелаг грез» фонда «Сфера» (Казань, Самара, Екатеринбург), в этом году ее персональная выставка прошла в ЦСК «Нулевая комната», а выставка "Wrinkled fingertips" стала лауреатом премии галереи «Виктория».
Художница работает с графикой и живописью, в которых постоянным мотивом являются образы животного мира. Порой использует в экспозиции различные объекты, отсылающие к образам массовой культуры и детским воспоминаниям. Мир природы в ее работах не нейтрален и не вызывает умиления, но скорее застывает между видениями тревожного сна и безобидного мультфильма. Ее вселенная – мир «страшных» игрушек, вроде Хаги-Ваги и подобных. Потусторонние и яркие, они учат нас сложности и непознаваемости мира.
Работа из серии «Будь агрессивным: Клык» – яркое полотно, в котором запечатлено, словно на стоп-кадре, застывшая пасть. Завороженно можно наблюдать как блестят зубы, играя пестротой палитры детских пирожных: розовый, нежно-салатовый, фиолетовый, фисташковый. Зеленый язык превращается в водопад, а клыки в очертания скалистой пещеры. В этом рисунке смешались все детские мифы: и собака Баскервилей и зубная фея, и зубастики, и красавица и чудовище. Но все эти ниточки ведут к одному – к идее бесконечности и всепринятия детского воображения.
Клык
2024
холст, темпера
40×50 см
Эстимейт: 17 000 ₽
Анастасия Деревякина — (2000 г.р.) молодая самарская художница, выпускница Самарского художественного училища им. К.С. Петрова-Водкина и Свободных мастерских при Московском музее современного искусства, участница кочующей выставки «Архипелаг грез» фонда «Сфера» (Казань, Самара, Екатеринбург), в этом году ее персональная выставка прошла в ЦСК «Нулевая комната», а выставка "Wrinkled fingertips" стала лауреатом премии галереи «Виктория».
Художница работает с графикой и живописью, в которых постоянным мотивом являются образы животного мира. Порой использует в экспозиции различные объекты, отсылающие к образам массовой культуры и детским воспоминаниям. Мир природы в ее работах не нейтрален и не вызывает умиления, но скорее застывает между видениями тревожного сна и безобидного мультфильма. Ее вселенная – мир «страшных» игрушек, вроде Хаги-Ваги и подобных. Потусторонние и яркие, они учат нас сложности и непознаваемости мира.
Работа из серии «Будь агрессивным: Клык» – яркое полотно, в котором запечатлено, словно на стоп-кадре, застывшая пасть. Завороженно можно наблюдать как блестят зубы, играя пестротой палитры детских пирожных: розовый, нежно-салатовый, фиолетовый, фисташковый. Зеленый язык превращается в водопад, а клыки в очертания скалистой пещеры. В этом рисунке смешались все детские мифы: и собака Баскервилей и зубная фея, и зубастики, и красавица и чудовище. Но все эти ниточки ведут к одному – к идее бесконечности и всепринятия детского воображения.
10. Алексей Журавлев
Без названия
2024
бумага, карандаш
50×70 см
Эстимейт: 35 000 ₽
Алексей Журавлев (1988 г.р.) – художник, окончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина, «Свободные мастерские» при ММСИ и Школу Родченко, он победитель конкурса «Взлёт» на ВДНХ, резидент мастерских «Винзавода», участник московского независимого объединения «ИП Виноградов». Его персональные выставки проходили в Московском музее современного искусства (2021), галереях «Виктория» (2021) и masla lissa (2024), а на ярмарке blazar в этом году его живопись и графику представляли сразу две галереи.
Художник работает с различными медиа от живописи до видео и скульптур из глины или пенопласта. В этом году в фокусе его внимания живопись и графика. Но с каким бы материалом он не работал, его интересует мистическая сторона повседневных предметов и образов, которые он наделяет самостоятельным голосом.
Работа, представленная на аукционе, относится к графической серии с изображением переплетающихся цветов, в которых заросли растений напоминают фантастические формы жизни, прекрасные и угрожающие. Образ подсолнухов, конечно, сразу вызывает ассоциации со знаменитыми картинами Ван Гога, но перед нами явно цветы с другой планеты, а может таинственные мутанты, порожденные наукой. Живые, обладающие волей, они очаровывают и интригуют.
Без названия
2024
бумага, карандаш
50×70 см
Эстимейт: 35 000 ₽
Алексей Журавлев (1988 г.р.) – художник, окончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина, «Свободные мастерские» при ММСИ и Школу Родченко, он победитель конкурса «Взлёт» на ВДНХ, резидент мастерских «Винзавода», участник московского независимого объединения «ИП Виноградов». Его персональные выставки проходили в Московском музее современного искусства (2021), галереях «Виктория» (2021) и masla lissa (2024), а на ярмарке blazar в этом году его живопись и графику представляли сразу две галереи.
Художник работает с различными медиа от живописи до видео и скульптур из глины или пенопласта. В этом году в фокусе его внимания живопись и графика. Но с каким бы материалом он не работал, его интересует мистическая сторона повседневных предметов и образов, которые он наделяет самостоятельным голосом.
Работа, представленная на аукционе, относится к графической серии с изображением переплетающихся цветов, в которых заросли растений напоминают фантастические формы жизни, прекрасные и угрожающие. Образ подсолнухов, конечно, сразу вызывает ассоциации со знаменитыми картинами Ван Гога, но перед нами явно цветы с другой планеты, а может таинственные мутанты, порожденные наукой. Живые, обладающие волей, они очаровывают и интригуют.
10. Алексей Журавлев
Без названия
2024
бумага, карандаш
50×70 см
Эстимейт: 35 000 ₽
Алексей Журавлев (1988 г.р.) – художник, окончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина, «Свободные мастерские» при ММСИ и Школу Родченко, он победитель конкурса «Взлёт» на ВДНХ, резидент мастерских «Винзавода», участник московского независимого объединения «ИП Виноградов». Его персональные выставки проходили в Московском музее современного искусства (2021), галереях «Виктория» (2021) и masla lissa (2024), а на ярмарке blazar в этом году его живопись и графику представляли сразу две галереи.
Художник работает с различными медиа от живописи до видео и скульптур из глины или пенопласта. В этом году в фокусе его внимания живопись и графика. Но с каким бы материалом он не работал, его интересует мистическая сторона повседневных предметов и образов, которые он наделяет самостоятельным голосом.
Работа, представленная на аукционе, относится к графической серии с изображением переплетающихся цветов, в которых заросли растений напоминают фантастические формы жизни, прекрасные и угрожающие. Образ подсолнухов, конечно, сразу вызывает ассоциации со знаменитыми картинами Ван Гога, но перед нами явно цветы с другой планеты, а может таинственные мутанты, порожденные наукой. Живые, обладающие волей, они очаровывают и интригуют.
Без названия
2024
бумага, карандаш
50×70 см
Эстимейт: 35 000 ₽
Алексей Журавлев (1988 г.р.) – художник, окончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина, «Свободные мастерские» при ММСИ и Школу Родченко, он победитель конкурса «Взлёт» на ВДНХ, резидент мастерских «Винзавода», участник московского независимого объединения «ИП Виноградов». Его персональные выставки проходили в Московском музее современного искусства (2021), галереях «Виктория» (2021) и masla lissa (2024), а на ярмарке blazar в этом году его живопись и графику представляли сразу две галереи.
Художник работает с различными медиа от живописи до видео и скульптур из глины или пенопласта. В этом году в фокусе его внимания живопись и графика. Но с каким бы материалом он не работал, его интересует мистическая сторона повседневных предметов и образов, которые он наделяет самостоятельным голосом.
Работа, представленная на аукционе, относится к графической серии с изображением переплетающихся цветов, в которых заросли растений напоминают фантастические формы жизни, прекрасные и угрожающие. Образ подсолнухов, конечно, сразу вызывает ассоциации со знаменитыми картинами Ван Гога, но перед нами явно цветы с другой планеты, а может таинственные мутанты, порожденные наукой. Живые, обладающие волей, они очаровывают и интригуют.
11. Дима Птицын
Из серии «Шелковый путь»
2023
серебряно-желатиновый отпечаток
60×50 см
Эстимейт: 37 000 ₽
Дима Птицын (1989 г.р.) – художник, фотограф и музыкант, выпускник петербургской школы фотографии ДокДокДок, участник выставок в Музее Модерна (Самара), галерее «Виктория» (Самара), галерее Stella Art Foundation (Москва).
Начинал как фотограф-документалист, работая в основном с субкультурами и закрытыми сообществами, позже, перешел на территорию современного искусства, сочетая документалистику со спекулятивными методами и практиками перформанса. Среди постоянных персонажей его фотографий — маргиналы, панки и уличные животные.
Серия «Шелковый путь» была создана во время тура нижегородской панк-группы «Поспишь Потом» по России, Казахстану и Кыргызстану и впервые была презентована на выставке «Их неудержимо клонило в сон» в Stella Art Foundation. Гастроли зачастую это многочасовые переезды между городами и независимо от того, насколько интересный пейзаж за окном, дорожная рутина затягивает вас в сон все сильнее. Дорожный делирий это нечто странное и вязкое, субстанция существующая на стыке сновиденческого и реального.
В своей работе художник попытался выйти за рамки погружения в субкультуру, отказался от линейного повествования и представляет панк путешествие как знаковую систему, где личное становится коллективным, границы существуют лишь в виде стен маленьких клубов, а дорога простирается бесконечно.
Из серии «Шелковый путь»
2023
серебряно-желатиновый отпечаток
60×50 см
Эстимейт: 37 000 ₽
Дима Птицын (1989 г.р.) – художник, фотограф и музыкант, выпускник петербургской школы фотографии ДокДокДок, участник выставок в Музее Модерна (Самара), галерее «Виктория» (Самара), галерее Stella Art Foundation (Москва).
Начинал как фотограф-документалист, работая в основном с субкультурами и закрытыми сообществами, позже, перешел на территорию современного искусства, сочетая документалистику со спекулятивными методами и практиками перформанса. Среди постоянных персонажей его фотографий — маргиналы, панки и уличные животные.
Серия «Шелковый путь» была создана во время тура нижегородской панк-группы «Поспишь Потом» по России, Казахстану и Кыргызстану и впервые была презентована на выставке «Их неудержимо клонило в сон» в Stella Art Foundation. Гастроли зачастую это многочасовые переезды между городами и независимо от того, насколько интересный пейзаж за окном, дорожная рутина затягивает вас в сон все сильнее. Дорожный делирий это нечто странное и вязкое, субстанция существующая на стыке сновиденческого и реального.
В своей работе художник попытался выйти за рамки погружения в субкультуру, отказался от линейного повествования и представляет панк путешествие как знаковую систему, где личное становится коллективным, границы существуют лишь в виде стен маленьких клубов, а дорога простирается бесконечно.
11. Дима Птицын
Из серии «Шелковый путь»
2023
серебряно-желатиновый отпечаток
60×50 см
Эстимейт: 37 000 ₽
Дима Птицын (1989 г.р.) – фотограф и музыкант, выпускник петербургской школы фотографии ДокДокДок, участник выставок в Музее Модерна (Самара), галерее «Виктория» (Самара), Всероссийском Музее Прикладного Искусства (Москва).
Начинал как фотограф-документалист, работая в основном с субкультурами и закрытыми сообществами, позже, обучаясь в «Базе», перешел на территорию современного искусства, сочетая документалистику со спекулятивными методами и практиками перформанса. Среди постоянных персонажей его документальной фотографии — маргиналы и любовные парочки, панки и уличные животные.
Серия «Шелковый путь» была создана во время гастрольного тура нижегородской панк-группы «Поспишь потом», и впервые была презентована на выставке «Их неудержимо клонило в сон» в Stella Art Foundation. Фотограф ездил вместе с группой, ночевал на «вписках», помогал толкать сломанный микроавтобус, ел с музыкантами в придорожных кафе, снимал, как они едят, спят в дороге, ходят в придорожную баню и, конечно, дают концерты в рок-клубах. снимок с пустой дорогой посреди русских полей, отсылает к роуд-муви 1960-х, вроде «Беспечного ездока», эстетике молодости и свободы, поиску и готовности встретиться с судьбой.
Из серии «Шелковый путь»
2023
серебряно-желатиновый отпечаток
60×50 см
Эстимейт: 37 000 ₽
Дима Птицын (1989 г.р.) – фотограф и музыкант, выпускник петербургской школы фотографии ДокДокДок, участник выставок в Музее Модерна (Самара), галерее «Виктория» (Самара), Всероссийском Музее Прикладного Искусства (Москва).
Начинал как фотограф-документалист, работая в основном с субкультурами и закрытыми сообществами, позже, обучаясь в «Базе», перешел на территорию современного искусства, сочетая документалистику со спекулятивными методами и практиками перформанса. Среди постоянных персонажей его документальной фотографии — маргиналы и любовные парочки, панки и уличные животные.
Серия «Шелковый путь» была создана во время гастрольного тура нижегородской панк-группы «Поспишь потом», и впервые была презентована на выставке «Их неудержимо клонило в сон» в Stella Art Foundation. Фотограф ездил вместе с группой, ночевал на «вписках», помогал толкать сломанный микроавтобус, ел с музыкантами в придорожных кафе, снимал, как они едят, спят в дороге, ходят в придорожную баню и, конечно, дают концерты в рок-клубах. снимок с пустой дорогой посреди русских полей, отсылает к роуд-муви 1960-х, вроде «Беспечного ездока», эстетике молодости и свободы, поиску и готовности встретиться с судьбой.
12. Андрей Сяйлев
Без названия. Из серии «Не мочить»
2011
холст, сольвентная печать, сольвент
105×200 см
Эстимейт: 150 000 ₽
Андрей Сяйлев (1982 г.р.) — самарский художник, окончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина и художественный факультет Самарского педагогического университета, участник многих выставок в России и Европе, резидент фонда В. Смирнова и К. Сорокина, создал несколько известных крупных паблик-арт объектов в Самаре, а его работы находятся в том числе в коллекции Государственной Третьяковской галереи и Московского Мультимедиа Арт Музея. Уже несколько лет активно продается на ярмарке Cosmoscow галереей “PA”.
Андрей Сяйлев стал известен ироничными объектами, в которых основным приемом является ироническое смещение, перенос свойств с одних предметов на другие: абстрактные рисунки из кафельной плитки, книги, которые используются вместо кирпичей, воздушные шары, в которых продается воздух, брендированный маркой «Каждый день» и т.д. Для него также важен мотив ошибки и сбоя, путаницы.
Так в серии полотен «Не мочить», алфавит, цифры, карты мира размываются от капель воды, теряют очертания, становятся абстракцией, демонстрируя хрупкость любого порядка, любой строгой и разумной системы под воздействием стихии и случая. Медицинский совет «не мочить» обнуляется веселой забавой, детской кляксой, пробуждающей воображение даже в суровые времена трансформации политических карт, за которыми не успеваешь следить.
Без названия. Из серии «Не мочить»
2011
холст, сольвентная печать, сольвент
105×200 см
Эстимейт: 150 000 ₽
Андрей Сяйлев (1982 г.р.) — самарский художник, окончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина и художественный факультет Самарского педагогического университета, участник многих выставок в России и Европе, резидент фонда В. Смирнова и К. Сорокина, создал несколько известных крупных паблик-арт объектов в Самаре, а его работы находятся в том числе в коллекции Государственной Третьяковской галереи и Московского Мультимедиа Арт Музея. Уже несколько лет активно продается на ярмарке Cosmoscow галереей “PA”.
Андрей Сяйлев стал известен ироничными объектами, в которых основным приемом является ироническое смещение, перенос свойств с одних предметов на другие: абстрактные рисунки из кафельной плитки, книги, которые используются вместо кирпичей, воздушные шары, в которых продается воздух, брендированный маркой «Каждый день» и т.д. Для него также важен мотив ошибки и сбоя, путаницы.
Так в серии полотен «Не мочить», алфавит, цифры, карты мира размываются от капель воды, теряют очертания, становятся абстракцией, демонстрируя хрупкость любого порядка, любой строгой и разумной системы под воздействием стихии и случая. Медицинский совет «не мочить» обнуляется веселой забавой, детской кляксой, пробуждающей воображение даже в суровые времена трансформации политических карт, за которыми не успеваешь следить.
13. Святослав Таранов
Объект №1
2024
холст, акрил, аэрозоль
145×87 см
Эстимейт: 35 000 ₽
Святослав Таранов (1993 г.р.) – самарский художник, начинал как уличный художник, принимал участие во многих фестивалях стрит-арта по всей России, в настоящее время пришел к живописи, соединяя на холсте традицию абстрактного сюрреализма с красками и техниками улицы. Работы художника находятся в собрании «Стрит-арт хранения» в Санкт-Петербурге.
Его работам свойственны эксперименты в выборе формата холстов, имеющих подчас самую причудливую форму, свободный переход от абстракции к фигуративу, и яркие, подчас кислотные, тона, что делает его работы эмоционально запоминающимися. Любая, даже абстрактная форма в его работах одушевлена, и скорее напоминает неведомую форму жизни, чем классическую абстракцию. Не даром в его живописи находят отголоски фантастики 1980-х (вроде «Охотников за привидениями»).
«Объект №1» – работа из серии, в которой картина трансформируется в объект на стене, скульптурный, подвижный, напоминающий о проунах Эль Лисицкого или экспериментах художников постживописной абстракции. А тягучие, яркие живописные формы приобретают очертания натюрморта или анимированной заставки телевизионного шоу.
Объект №1
2024
холст, акрил, аэрозоль
145×87 см
Эстимейт: 35 000 ₽
Святослав Таранов (1993 г.р.) – самарский художник, начинал как уличный художник, принимал участие во многих фестивалях стрит-арта по всей России, в настоящее время пришел к живописи, соединяя на холсте традицию абстрактного сюрреализма с красками и техниками улицы. Работы художника находятся в собрании «Стрит-арт хранения» в Санкт-Петербурге.
Его работам свойственны эксперименты в выборе формата холстов, имеющих подчас самую причудливую форму, свободный переход от абстракции к фигуративу, и яркие, подчас кислотные, тона, что делает его работы эмоционально запоминающимися. Любая, даже абстрактная форма в его работах одушевлена, и скорее напоминает неведомую форму жизни, чем классическую абстракцию. Не даром в его живописи находят отголоски фантастики 1980-х (вроде «Охотников за привидениями»).
«Объект №1» – работа из серии, в которой картина трансформируется в объект на стене, скульптурный, подвижный, напоминающий о проунах Эль Лисицкого или экспериментах художников постживописной абстракции. А тягучие, яркие живописные формы приобретают очертания натюрморта или анимированной заставки телевизионного шоу.
13. Святослав Таранов
Объект №1
2024
холст, акрил, аэрозоль
145×87 см
Эстимейт: 35 000 ₽
Святослав Таранов (1993 г.р.) – самарский художник, начинал как уличный художник, принимал участие во многих фестивалях стрит-арта по всей России, в настоящее время пришел к живописи, соединяя на холсте традицию абстрактного сюрреализма с красками и техниками улицы. Работы художника находятся в собрании «Стрит-арт хранения» в Санкт-Петербурге.
Его работам свойственны эксперименты в выборе формата холстов, имеющих подчас самую причудливую форму, свободный переход от абстракции к фигуративу, и яркие, подчас кислотные, тона, что делает его работы эмоционально запоминающимися. Любая, даже абстрактная форма в его работах одушевлена, и скорее напоминает неведомую форму жизни, чем классическую абстракцию. Не даром в его живописи находят отголоски фантастики 1980-х (вроде «Охотников за привидениями»).
«Объект №1» – работа из серии, в которой картина трансформируется в объект на стене, скульптурный, подвижный, напоминающий о проунах Эль Лисицкого или экспериментах художников постживописной абстракции. А тягучие, яркие живописные формы приобретают очертания натюрморта или анимированной заставки телевизионного шоу.
Объект №1
2024
холст, акрил, аэрозоль
145×87 см
Эстимейт: 35 000 ₽
Святослав Таранов (1993 г.р.) – самарский художник, начинал как уличный художник, принимал участие во многих фестивалях стрит-арта по всей России, в настоящее время пришел к живописи, соединяя на холсте традицию абстрактного сюрреализма с красками и техниками улицы. Работы художника находятся в собрании «Стрит-арт хранения» в Санкт-Петербурге.
Его работам свойственны эксперименты в выборе формата холстов, имеющих подчас самую причудливую форму, свободный переход от абстракции к фигуративу, и яркие, подчас кислотные, тона, что делает его работы эмоционально запоминающимися. Любая, даже абстрактная форма в его работах одушевлена, и скорее напоминает неведомую форму жизни, чем классическую абстракцию. Не даром в его живописи находят отголоски фантастики 1980-х (вроде «Охотников за привидениями»).
«Объект №1» – работа из серии, в которой картина трансформируется в объект на стене, скульптурный, подвижный, напоминающий о проунах Эль Лисицкого или экспериментах художников постживописной абстракции. А тягучие, яркие живописные формы приобретают очертания натюрморта или анимированной заставки телевизионного шоу.
14. Александр Филимонов
Зеркало
2024
керамическая плитка, зеркало, фанера
80×50 см
Эстимейт: 90 000 ₽
Александр Филимонов (1975 г.р.) — художник, архитектор, закончил Самарскую архитектурно-строительную академию, лауреат различных архитектурных конкурсов в России и за рубежом, участник выставок в Москве, Санкт-Петербурге, Нижнем Новгороде, Казани и Перми, чьи работы были в большом спросе на газпромовской ярмарке современного искусства “1703” в Санкт-Петербурге, а также ярмарке Cosmoscow в Москве.
Виртуозно работая с самыми различными материалами: деревом, гипсом, пенопластом, землей, прожогами на бумаге, и др., — Филимонов создает объекты, иронично обыгрывающие современные фетиши и архетипы прошлого. Ему также свойственна остроумная работа с текстами и лозунгами, каламбурное переворачивание серьезности нашей жизни. В последнее время Филимонов много работает с мозаикой, создавая ее из натурального камня и из кафельной плитки. Этим работам свойственен присущий плитке глянец и лоск, но и ирония над изображаемой в них повседневностью.
Во многих мозаиках прослеживается мотив окна. Зарешеченное окно, окошко кассы или алоэ на подоконнике. Работу «Зеркало» художник описывает так: «На первый взгляд это просто зеркало, которое стоит у меня на подоконнике. Глядя в него я подстригаю бороду. Однако сфера, восходящая полумесяцем с расходящимися от неё лучами, делает из бытового сюжета, некое, подобие алтаря перед которым должны совершаться тайные ритуалы, встречи с самим собой. Находясь перед алтарем, ты будто участвуешь в параде планет, затмевающих одна другую.
В сакральной геометрии две пересекающиеся окружности образуют так называемый «Рыбий пузырь», одну из основных форм «Цветка жизни». У некоторых сторонников религиозного учения Нью-Эйдж эта форма отождествляется с символом женского начала в целом, в средневековой иконописи она называется “мандорла” и в нее помещается фигура Христа, а для поклонников нумерологии в этой работе будет очевидна символика числа восемь - числа бесконечности».
Зеркало
2024
керамическая плитка, зеркало, фанера
80×50 см
Эстимейт: 90 000 ₽
Александр Филимонов (1975 г.р.) — художник, архитектор, закончил Самарскую архитектурно-строительную академию, лауреат различных архитектурных конкурсов в России и за рубежом, участник выставок в Москве, Санкт-Петербурге, Нижнем Новгороде, Казани и Перми, чьи работы были в большом спросе на газпромовской ярмарке современного искусства “1703” в Санкт-Петербурге, а также ярмарке Cosmoscow в Москве.
Виртуозно работая с самыми различными материалами: деревом, гипсом, пенопластом, землей, прожогами на бумаге, и др., — Филимонов создает объекты, иронично обыгрывающие современные фетиши и архетипы прошлого. Ему также свойственна остроумная работа с текстами и лозунгами, каламбурное переворачивание серьезности нашей жизни. В последнее время Филимонов много работает с мозаикой, создавая ее из натурального камня и из кафельной плитки. Этим работам свойственен присущий плитке глянец и лоск, но и ирония над изображаемой в них повседневностью.
Во многих мозаиках прослеживается мотив окна. Зарешеченное окно, окошко кассы или алоэ на подоконнике. Работу «Зеркало» художник описывает так: «На первый взгляд это просто зеркало, которое стоит у меня на подоконнике. Глядя в него я подстригаю бороду. Однако сфера, восходящая полумесяцем с расходящимися от неё лучами, делает из бытового сюжета, некое, подобие алтаря перед которым должны совершаться тайные ритуалы, встречи с самим собой. Находясь перед алтарем, ты будто участвуешь в параде планет, затмевающих одна другую.
В сакральной геометрии две пересекающиеся окружности образуют так называемый «Рыбий пузырь», одну из основных форм «Цветка жизни». У некоторых сторонников религиозного учения Нью-Эйдж эта форма отождествляется с символом женского начала в целом, в средневековой иконописи она называется “мандорла” и в нее помещается фигура Христа, а для поклонников нумерологии в этой работе будет очевидна символика числа восемь - числа бесконечности».
14. Александр Филимонов
Зеркало
2024
керамическая плитка, зеркало, фанера
80×50 см
Эстимейт: 90 000 ₽
Александр Филимонов (1975 г.р.) — художник, архитектор, закончил Самарскую архитектурно-строительную академию, лауреат различных архитектурных конкурсов в России и за рубежом, участник выставок в Москве, Санкт-Петербурге, Нижнем Новгороде, Казани и Перми, чьи работы были в большом спросе на газпромовской ярмарке современного искусства “1703” в Санкт-Петербурге, а также ярмарке Cosmoscow в Москве.
Виртуозно работая с самыми различными материалами: деревом, гипсом, пенопластом, землей, прожогами на бумаге, и др., — Филимонов создает объекты, иронично обыгрывающие современные фетиши и архетипы прошлого. Ему также свойственна остроумная работа с текстами и лозунгами, каламбурное переворачивание серьезности нашей жизни. В последнее время Филимонов много работает с мозаикой, создавая ее из натурального камня и из кафельной плитки. Этим работам свойственен присущий плитке глянец и лоск, но и ирония над изображаемой в них повседневностью.
Во многих мозаиках прослеживается мотив окна. Зарешеченное окно, окошко кассы или алоэ на подоконнике. Работу «Зеркало» художник описывает так: «На первый взгляд это просто зеркало, которое стоит у меня на подоконнике. Глядя в него я подстригаю бороду. Однако сфера, восходящая полумесяцем с расходящимися от неё лучами, делает из бытового сюжета, некое, подобие алтаря перед которым должны совершаться тайные ритуалы, встречи с самим собой. Находясь перед алтарем, ты будто участвуешь в параде планет, затмевающих одна другую.
В сакральной геометрии две пересекающиеся окружности образуют так называемый «Рыбий пузырь», одну из основных форм «Цветка жизни». У некоторых сторонников религиозного учения Нью-Эйдж эта форма отождествляется с символом женского начала в целом, в средневековой иконописи она называется “мандорла” и в нее помещается фигура Христа, а для поклонников нумерологии в этой работе будет очевидна символика числа восемь - числа бесконечности».
Зеркало
2024
керамическая плитка, зеркало, фанера
80×50 см
Эстимейт: 90 000 ₽
Александр Филимонов (1975 г.р.) — художник, архитектор, закончил Самарскую архитектурно-строительную академию, лауреат различных архитектурных конкурсов в России и за рубежом, участник выставок в Москве, Санкт-Петербурге, Нижнем Новгороде, Казани и Перми, чьи работы были в большом спросе на газпромовской ярмарке современного искусства “1703” в Санкт-Петербурге, а также ярмарке Cosmoscow в Москве.
Виртуозно работая с самыми различными материалами: деревом, гипсом, пенопластом, землей, прожогами на бумаге, и др., — Филимонов создает объекты, иронично обыгрывающие современные фетиши и архетипы прошлого. Ему также свойственна остроумная работа с текстами и лозунгами, каламбурное переворачивание серьезности нашей жизни. В последнее время Филимонов много работает с мозаикой, создавая ее из натурального камня и из кафельной плитки. Этим работам свойственен присущий плитке глянец и лоск, но и ирония над изображаемой в них повседневностью.
Во многих мозаиках прослеживается мотив окна. Зарешеченное окно, окошко кассы или алоэ на подоконнике. Работу «Зеркало» художник описывает так: «На первый взгляд это просто зеркало, которое стоит у меня на подоконнике. Глядя в него я подстригаю бороду. Однако сфера, восходящая полумесяцем с расходящимися от неё лучами, делает из бытового сюжета, некое, подобие алтаря перед которым должны совершаться тайные ритуалы, встречи с самим собой. Находясь перед алтарем, ты будто участвуешь в параде планет, затмевающих одна другую.
В сакральной геометрии две пересекающиеся окружности образуют так называемый «Рыбий пузырь», одну из основных форм «Цветка жизни». У некоторых сторонников религиозного учения Нью-Эйдж эта форма отождествляется с символом женского начала в целом, в средневековой иконописи она называется “мандорла” и в нее помещается фигура Христа, а для поклонников нумерологии в этой работе будет очевидна символика числа восемь - числа бесконечности».
15. Леонид Шерешевский
Футбол
2022
бумага, акрил, тушь
44,5×60,5 см
Эстимейт: 55 000 ₽
Леонид Шерешевский (1948−2023) — керамист, график и скульптор, преподаватель, окончил Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им. В. И. Мухиной, участник международных художественных акций и выставок. Лауреат Губернской премии в области культуры и искусства в номинации «Изобразительное искусство» (2003). Работы Шерешевского находятся в собраниях Самарского художественного музея, Музея прикладного искусства Государственной художественно-промышленной академии им. А. Л. Штиглица (СПб), в частных и корпоративных коллекциях в России и других странах.
Графика Шерешевского скульптурна и часто «сопровождает» его керамические работы. Одной из постоянных тем художника является мотив дома, архитектуры, города как среды, в которой пересекаются искусство и память, личная и социальная жизни. Среди его «героев» самарские и петербургские дворики, храмы и ветхие дома с деревянными лестницами.
В графическом листе «Футбол» два подростка, играющих с мячом на фоне звездного неба, как будто несут внутри себя свои дворы. Работа для 74-летнего художника, очевидно, ностальгическая, и в то же время – философская. Каменный город помещается здесь внутрь бегущих, даже парящих футболистов, конкретика щербатых подъездов, с растворяющейся в космосе, словно созвездие рукой одного из игроков. Прошлое и будущее, материя и мечта – пересечения этих тем составляют сюжет волнующего своей интимностью произведения.
Футбол
2022
бумага, акрил, тушь
44,5×60,5 см
Эстимейт: 55 000 ₽
Леонид Шерешевский (1948−2023) — керамист, график и скульптор, преподаватель, окончил Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им. В. И. Мухиной, участник международных художественных акций и выставок. Лауреат Губернской премии в области культуры и искусства в номинации «Изобразительное искусство» (2003). Работы Шерешевского находятся в собраниях Самарского художественного музея, Музея прикладного искусства Государственной художественно-промышленной академии им. А. Л. Штиглица (СПб), в частных и корпоративных коллекциях в России и других странах.
Графика Шерешевского скульптурна и часто «сопровождает» его керамические работы. Одной из постоянных тем художника является мотив дома, архитектуры, города как среды, в которой пересекаются искусство и память, личная и социальная жизни. Среди его «героев» самарские и петербургские дворики, храмы и ветхие дома с деревянными лестницами.
В графическом листе «Футбол» два подростка, играющих с мячом на фоне звездного неба, как будто несут внутри себя свои дворы. Работа для 74-летнего художника, очевидно, ностальгическая, и в то же время – философская. Каменный город помещается здесь внутрь бегущих, даже парящих футболистов, конкретика щербатых подъездов, с растворяющейся в космосе, словно созвездие рукой одного из игроков. Прошлое и будущее, материя и мечта – пересечения этих тем составляют сюжет волнующего своей интимностью произведения.