Осенний аукцион современного искусства в Самаре 2025

Света Смирнова (род. 2003) окончила Самарское художественное училище имени К.С. Петрова-Водкина. Как участница группировки молодых художников «Стая» принимала участие в их проекте «III» в Центре современной культуры «Нулевая комната», а также проектах галерей «Виктория» и «А2» и др.

Несмотря на классическое образование, художница часто обращается к эстетике уличного искусства, используя аэрозоли и аэрографию. И хотя в центре ее работ она сама, ее ровесники и реальность, которую она видит вокруг, фигуры и персонажи в работах художницы обладают особым свечением, отсылающим к иконописи. Она соединяет земные образы со своими духовными исканиями и создает современный аналог средневековых эмблем и аллегорий.

«Двое» — романтическая работа о любви, в которой изображение любовного диалога голубей напоминает игру пламени во тьме. Лаконичный образ отсылает к символизму герба, а благодаря черно-белой гамме возникает напряжение между любовным томлением и драмой.

Ксения Кабачек (род. 1994) — молодая художница, окончила Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина и Российскую академию живописи, ваяния и зодчества Ильи Глазунова. Ксения — номинант Премии К.П. Головкина, участница многих выставок и фестивалях в Москве и Самаре. В этом году в ЗИМ Галерее открылась ее персональная выставка «Осторожно, хрупкое!», а журнал Собака.ру сделал ее героем интервью.

В своих работах художница исследует современность, открывая красоту повседневности. Она воспроизводит клише (в одежде, интерьере, поведении), стремясь выразить их изнанку и причины, по которым люди к ним обращаются. Особое внимание она уделяет среде, которую человек создает вокруг себя, будь то граффити, заборы или тарелки спутниковой связи.

В «Спутниках панельной цивилизации» Ксения Кабачек фиксирует привычный атрибут современного дома — персональные телевизионные антенны. Эти антенные, как и кондиционеры на фасадах многоквартирных домов стали символом неудовлетворенности человека коммунальными условиями и желания обустроить свой дом в «улье» индивидуально. Лаконичные формы антенн, их теней, а также линии торца здания складываются в ритмическую композицию, завораживающую своим прямолинейным реализмом и геометрической абстракцией.

Марина Нико (род. 1986) — выпускница Самарского художественное училища имени К.С. Петрова-Водкина и галерист. В разные годы сотрудничала с самыми разными зарубежными и российскими галереями, включая московские ART&BRUT и a-s-t-r-a, параллельно развивая свою собственную площадку в Самаре — галерею SPACE13.

Ее стиль подкупает своей детализированной гиперреалистичностью и виртуозным воспроизведением современных визуальных эффектов (хроматическая аберрация, глитчи, кислотные цвета). Она прямолинейно говорит о современности, посвящая свои серии человеку в самоизоляции или погруженному в виртуальный мир гаджетов. Многие ее работы автобиографичны, ведь героями становятся она сама, ее сын, ближайшие друзья, а параллельной темой — межличностные отношения.

«Дождь» — ранняя работа Марины Нико, но в которой она уже обращается к фотореализму. В этом простом по композиции автопортрете перед нами образ задумчивой художницы, пытливо вглядывающейся, как кажется, в прекрасное далеко, но запотевшее от холодного ненастья окно с бегущим каплями дождя мешает ей видеть и быть видимой. Эта романтическая картина, в которой взгляду придается почти иконописное значение обладать провиденческим, исцеляющим даром, а затуманенное стекло — лишь временная помеха, не способная погасить человеческое стремление к познанию и любви.

Яна Арбузова (род. 1997) — молодая самарская художница, иллюстратор, выпускница Самарского художественного училища им. К.С. Петрова-Водкина. Участница выставок в Самаре, Москве, Петербурге, Димитровграде, Уфе и Оренбурге. В прошлом году ее персональные выставки прошли в Музее модерна и Музее-галерее «Заварка», без ее участия не проходит ни один смотр современного самарского искусства, а ее картины раскупались в Москве на blazar-2023 и Cosmoscow-2024.

В этом году она обратилась к пейзажу, создав серию живописных коллажей. С юмором она комбинирует плоские и объемные элементы, причудливо масштабируя их в пространстве. Ее образы хрупки и готовы рассыпаться или разлететься от дуновения ветра. В своих работах она размышляет о краткости жизни и свободе творчества, наполняя свои произведения цитатами из известных картин. 

«Комната» представляет собой собирательный образ: стол, тарелка с фруктами, окно и зелень напоминают и о соцреалистическом «Утре» Татьяны Яблонской, и о модернистских интерьерах Анри Матисса, и о «Девочке с персиками» Валентина Серова, только вместо персиков на столе — манго. Вслед за классиками художница создает картину уютного уголка родного дома. Но на ее полотне, как в сюрреалистическом видении, ножки стола вылезают за нарисованную раму, по стене ползет экзотический жук, листва из окна тянется к тарелке, а плоский, словно вырезанный из цветной бумаги, стол, украшает оранжевое абстрактное пятно, напоминающее вазу. Жизнь здесь повсюду, даже на обивке стула. Черный щенок, как Артемон, охраняет сказочный домик художницы, а жук-усач, как буратиновский сверчок, всегда готов помочь советом.

Дмитрий Гилен (род. 1992) — санкт-петербургский художник с самарскими корнями, финалист конкурса молодых художников NovaArt (2019). В 2016 он стал победителем конкурса «Взлет», создав инсталляцию в самолете ЯК-42 на ВДНХ. В 2021 его персональная выставка прошла в галерее «Виктория», а в 2022 в московской галерее ISSIMAG. В 2024 году весь стенд Дмитрия Гилена был раскуплен на ярмарке молодого искусства blazar, а среди покупателей была компания Simple Group, активно коллекционирующая современное отечественное искусство.

В работах художника соединяются новые и старые мифологии. Комбинируя природные и промышленные материалы он рассказывает о сложности современного мира, балансирующего между духовностью и прагматизмом. В его работах бетонные блоки покоятся на надувных подушках, ветви прорастают сквозь металл, а в новой серии работ автомобильные диски превращаются в готические орнаменты.

Представленная на аукционе работа из серии «Higher Revs» («Более высокие обороты»), создана по лекалам автомобильного диска BMW. Его спицы переходят в узнаваемый узор готической розы — характерной резной каменной решетки круглого окна в соборах Европы XIII-XV веков. В этом удивительном гибриде художник соединил мотивы земного движения, обусловленного техническим прогрессом и маркетингом, и религиозное вознесение, воплощенное в церковной архитектуре. Две эти оси — горизонтальная и вертикальная, составляют, по сути, всю систему координат человеческого существования.

Иван Гудзловенко (1977-2022) — художник из Чапаевска, закончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина. Долгое время оставаясь в поле живописных экспериментов, только в 2022 году начал принимать участие в выставках и до трагической гибели показал свои работы в Самаре, Казани и Москве.

Ивану Гудзловенко свойственна экспрессивная, сюрреалистическая манера, в которой соединяется импульсивность, случайность и яркая образность, юмор и исторические аллюзии. Где-то почти карикатурный, где-то невероятно нежный, всегда интуитивный, он всегда остается верен цвету как главному носителю смысла его работ.

«Тишину на всех частотах» можно смело называть пейзажем. Здесь солнце, звезды, ночная роща с полной луной и сиреневые облака. Подобно симфонии, в этой панораме контрастно сменяются направление линий, теплота и холодность оттенков, экспрессия и статика. Это самое крупное произведение художника, и ее образность под стать величине. Рассматривая работу слева на право, мы сначала обнаруживаем контур ладьи Амон-Ра, древнеегипетского бога Солнца, который перевозил солнечный диск по реке. А справа, в финале длинного листа, снова встречаем солнечный диск, парящий над тонкой лодкой с друзьями на борту, удивительно напоминающей смайлик. Вероятно, под этими точками-глазками он подразумевал себя и своего друга Олега Симбата, с которым они постоянно отправлялись на пленэры. Сравнивая свою лодку с солнечной ладьей, Иван Гудзловенко выражал надежду, что их живописные походы будут иметь значение для жизни всех людей.

Мила Гущина (род. 1993) — художница, выпускница авторских школ современного искусства «Quadro» и «Самарской школы авангарда». Особое место в ее творчестве занимают акварель и вышивка, которые уже успели сверкнуть на ее персональной выставке в галерее «Виктория» «Зверинец», выставках в Москве и Нижнем Новгороде, различных ярмарках современного искусства. В настоящее время ее работы представляет московская галерея Grabar Наталии Грабарь, правнучки знаменитого художника и искусствоведа первой половины XX века.

Ее вышивкам предшествуют акварельные работы, среди которых художница выбирает те, что будут наиболее удачно смотреться на ткани. Кропотливая работа иглой, обилие стежков делают ее произведения эмоционально насыщенными и почти телесными. Чаще всего она вышивает символические сцены борьбы с самим собой и перерождения.

Сюжет представленной работы аллегоричен: погибающее прошлое дает жизнь будущему. В небольшом куске материи художница умещает полные противоречия и эмоций образы. Словно на иконах Успения, лежит перед нами голубая фигура, бережно держа на себе другого — того, кто становится на наших глазах семенем, из которого растут цветы, возносясь из алых страстей через черную пустоту к чистым небесам.

Алексей Журавлев (род. 1988) окончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина, «Свободные мастерские» при ММСИ и Школу Родченко. Он победитель конкурса «Взлёт» на ВДНХ, резидент мастерских «Винзавода», участник московского независимого объединения «ИП Виноградов». Его персональные выставки проходили в Московском музее современного искусства (2021), галереях «Виктория» (2021) и masla lissa (2024), а в этом году он стал резидентом Фонда MaxArt.

Художник работает с различными медиа от живописи до видео и скульптур из глины или пенопласта. В этом году в фокусе его внимания живопись и графика. Но с каким бы материалом он не работал, его интересует мистическая сторона повседневных предметов и образов, которые он наделяет самостоятельным голосом.

Работа, представленная на аукционе, относится к графической серии с изображением переплетающихся цветов, напоминающих фантастические формы жизни, прекрасные и угрожающие. Образ подсолнухов, конечно, сразу вызывает ассоциации со знаменитыми картинами Ван Гога, но в версии «2.0». А фитоморфные руки, тянущиеся сквозь заросли растений, становятся лишь еще одной парой стеблей в этом постапокалиптическом венке.

Святослав Таранов (1993 г.р.) начинал как уличный художник, принимал участие во многих фестивалях стрит-арта по всей России, в настоящее время пришел к живописи, соединяя на холсте традицию абстрактного сюрреализма с красками и техниками улицы. Работы художника находятся в собрании «Стрит-арт хранения» в Санкт-Петербурге. В этом году его персональная выставка «Междумирье» прошла в ЗИМ Галерее.

Его работам свойственны эксперименты в выборе формата холстов, имеющих подчас самую причудливую форму, свободный переход от абстракции к фигуративу, и яркие, подчас кислотные тона, что делает его работы эмоционально запоминающимися. Любая, даже абстрактная форма в его работах одушевлена, и скорее напоминает неведомую форму жизни, чем классическую абстракцию. Не даром в его живописи находят отголоски фантастики 1980-х (вроде «Охотников за привидениями»).

В «Кружении» игривые мультяшные формы, поблескивающие закатными градиентами, заключены в классическую арочную рамку, придающей сюрреалистической композиции особую торжественность. Любопытно, как в абстрактной, по сути, композиции художник работает с планами, погружая крупные серые формы в дымку расфокуса и выводя на передний план паутинку пестрых цветных конструкций, словно мы перестали смотреть вдаль, сосредоточились на плавающих на зрачке соринках и завороженно вглядываемся в себя.

Владимир Логутов (род. 1980) — одна из ключевых фигур российского искусства родом из Самары. Окончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина и художественно отделение Самарского государственного педагогического университета. Стал известен видеоработами и минималистскими скульптурами, параллельно работая с живописью и графикой. Его работы находятся во многих как музейных собраниях — Государственной Третьяковской галереи, Московского музея современного искусства, так и частных — от Михельсона до Химиляйне. В Москве его представляет галерея Ovcharenko, где в прошлом году прошла его большая персональная выставка. 

В 2011 году выставкой «Встречи» в пространстве «Арт-пропаганда» в Самаре Владимир Логутов начал свое исследование феномена зрительства, позже продолженная в проекте «Следующий уровень», открывшемся на «Винзаводе» в 2017. В живописи, графике и видео он осмысляет картину как экран/зеркало, с которого зритель смотрит на себя. Одновременно экран может быть порталом, в нем обнаруживаются прорези, слои, обманки. Прямоугольник картины становится магическим кристаллом, предсказывающим или многозначительно молчащим в зависимости от восприятия зрителя. 

Серия акварелей «Встречи» является продолжением этого большого проекта. Художник помещает в центр цветового поля медитативный белый квадрат, который, конечно, вызывает в памяти своего антагониста — «Черный квадрат» Малевича. Но некоторые элементы этой беспредметной композиции обретают тень, кажущуюся толщинку, даже перспективу. И вот мы уже способны увидеть в абстракции черты реального пространства. Мы уже видим, что белый квадрат — не дыра, а картина, священная пустота, движущаяся к нам из глубины.

Кристина Сырчикова (род. 1992) — фотограф, художник, куратор. Дважды лауреат конкурса «Молодые фотографы России», была отмечена на многих международных конкурсах, в том числе в Словакии, Великобритании, Грузии, Сербии. Её фотокниги вошли в коллекции многих музеев по всему миру от Музея современного искусства «Гараж» в Москве до лондонской галереи Тейт Модерн. В 2024 году она поработала в мастерских Дома культуры «ГЭС 2», и открыла свою персональную выставку «Родные пятна», став резидентом галереи Pennlab на «Винзаводе».

В своих работах Кристина Сырчикова затрагивает темы памяти и родственных связей в постсоветском пространстве, затрудненный диалог между поколениями и прерванная ходом самой истории преемственность. Но если в сериях «Отчуждение» и «Похоронное платье» она создает филигранную фотоисторию своего общения с родственниками, наполняя каждый кадр трагической монументальностью, то в новой серии «Родные пятна» она обратилась к концептуальной фотографии, переснимая заломы, трещины и другие следы разрушения семейного фотоархива. 

Серия посвящена постепенному разрушению материальных носителей памяти. В ней мы не видим человеческих образов, неизбежно приобретающих в наших глазах сентиментальный флер старины. Запечатленные под многократным увеличением фрагменты фотографий предстают перед нами как пейзажи, покрытые тектоническими трещинами, следами геологических катастроф. На представленном на торгах кадре — уже потерявший былую остроту уголок снимка. Бликуя в сумрачном освещении, он напоминает гору. Ткань, на которой напечатан кадр имеет махристые края, что также напоминает о том, как хрупко любое изображение.

Андрей Сяйлев (род. 1982) окончил Самарское художественное училище им. К.С. Петрова-Водкина и художественный̆ факультет Самарского государственного педагогического университета, участник многих выставок в России и Европе, его работы находятся в коллекции Государственной̆ Третьяковской̆ галереи и Московского Мультимедиа Арт Музея. В Самаре известен своим сотрудничеством с Том Сойер Фестом и ВолгаФестом, в рамках которых создал большое количество объектов паблик-арта. В прошлом году был главных приглашенным художником Архстояния и установил свой «Фонтан» во дворе Самарской Третьяковки. А уже в этом разместил там свой «Кислородный зал», тотальную инсталляцию для отдыха и размышлений. В Москве художник представлен галереей PA.

Андрей Сяйлев — автор многих санкционированных и несанкционированных уличных объектов. Его работы часто связаны с историей̆ города и места, в котором они находятся, а материалами для них служат найденные обломки и фасады домов. Его работы обладают яркой̆ визуальностью и остроумной̆ концепцией̆. В 2013 году он заделал брешь в крыльце Самарской̆ публичной̆ библиотеки настоящими книгами вместо кирпичей̆, а в серии работ с кирпичами он с помощью гравировки превращает их в собрание сочинений Ленина или в многотомную Всемирную историю. 

«С одной стороны, правильно, с другой стороны, неправильно» — работа, в которой соединяются стремление художника работать с найденными объектами как с фактами реальности и его увлечение леттризмом, искусством, связанным со словами. Подобно концептуалисту Джозефу Кошуту, он в разные годы создал ряд текстовых произведений-жестов, отсылающих к самим себе («Эта картина не уместилась на холсте», «Этот текст и тут, и там» и многие другие). Так и надписи на представленном кирпиче служат как бы инструкцией к его экспонированию, в то же самое время намекают, что любые правила относительны.

Алена Ярмольчук (род. 1994) художница и архитектор, окончила архитектурную школу МАРШ и Школу современного искусства «База» в Москве. Ее работы участвовали в выставках на «Винзаводе», Московском музее современного искусства и в Ренессанс Банке. Она неоднократно создавала объекты для ВолгаФеста, а в прошлом году — павильон для Галереи «Виктория» на Архстоянии. В этом году открыла персональный проект «Снегурочка. Эпилог» в галерее ОССИ «МИ». 

Совмещая свой опыт архитектора и художницы, Алена стремится работать с пространством, осмысляя его вещественно, при этом она работает с хрупкими или эфемерными материалами, создавая инсталляции из полиэтилена, теннисных сеток или папье-маше. Пластичность и недолговечность форм как бы говорят нам о том, что существование предмета должно быть сопоставимо с краткостью человеческой жизни и приспосабливаться к ней. Поэтому во многих своих проектах она использует переработанные материалы.

В рамках проекта «Снегурочка. Эпилог» Алена измельчила свой архив (дневники, записи, фотографии), а из получившейся массы раскатала белые листы бумаги, как символы готовности жить заново. Словно героиня сказочной пьесы Александра Островского Снегурочка, художница готова уничтожить свое прошлое, чтобы превратить его в чистые листы для создания будущего. В простом листе ручного литья скрыты личные переживания и надежды, жизненные уроки и безоглядность. Многозначность названия работы отсылает нас также к известной марке бумаги «Снегурочка», которая в период дефицита сырья перестала быть белой.

Художественное объединение «Союз невозможных» (2020) — анонимное сообщество художников и кураторов, половину которых составляют самарцы. В 2021 году они дебютировали в московском арт-пространстве Cube, в 2022 их выставка открылась в Галерее «Виктория», а этой осенью — в галерее Syntax (Москва). Они — постоянные участники аукциона Vladey, и самые загадочные персонажи российского искусства.

Художественная группа «Союз невозможных» работает с образами, найденными в интернете и повседневной̆ жизни. Переводя их в живописные полотна, они превращают мемы в шрамы культуры, визуальную формулу коллективного бессознательного. На холстах они оставляют белые поля, визуальные паттерны соцсетей и полароидных фотографий, и этим делают акцент на стратегии своей работы как агрегатора изображений.

Сюжет работы «Встреча» взят из стоковых фотоприколов, но будучи перенесенным на картину, он становится иллюстрацией нравов современного общества. Испуг карликового щенка чихуахуа, увидевшей гигантскую ахатину — это его осознание себя жертвой логики потребления, которая, собирая диковинки по всему миру, создает, по сути, глобалистскую кунсткамеру. Своими произведениями, в которых звучит то ли анекдот, то ли приговор «Союз невозможных» близок по духу печально-ироничным, раешным произведениям Павла Федотова.